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Willem de Kooning. L’Artiste des Artistes!

Willem de Kooning. L’Artiste des Artistes!

ArtWizard, 05.08.2019

 

“L'attitude que la nature est chaotique et que l'artiste y mette de l'ordre est un point de vue très absurde, je pense. Tout ce que nous pouvons espérer, c'est de mettre de l'ordre dans nous-mêmes. Quand un homme laboure son champ au bon moment, cela signifie tout simplement".

Willem de Kooning était un représentant au moins aussi important d’Action Painting que Jackson Pollock, mais huit ans plus jeune que lui. Animé par un esprit extrêmement perspicace et une volonté de réussir, le charismatique de Kooning est devenu l’un des artistes les plus influents d’Amérique et du XXe siècle. Après un apprentissage en Hollande et en Belgique, il décida de partir en Amérique et y arriva sans papiers après une odyssée fantastique en tant que mécanicien de navire et marin. Après avoir commencé son style figuratif, l'artiste subit l'influence de Miro et de son ami Arshile Gorky et commence à dépeindre un monde préexistant, indépendant des références historiques et de l'expérience extérieure. Mais plus il maîtrisait ses moyens, plus le «paysage de l'âme» s'effaçait à l'arrière-plan.

Les formes se sont brisées et ont semblé dépasser le bord de la toile. Le contenu de cette peinture réside dans la mise en évidence du processus de peinture, des actions des artistes eux-mêmes, bien que la série de femmes, des figures féminines complexes, idoles ou démoniaques, et des titres de peinture tels que Suburb in Havana ou Merrit Parkway indiquent que les références aux choses vues et expérimentées ne furent jamais entièrement effacées des abstractions de De Kooning. Cette ouverture artistique a correspondu à l’ouverture des gestes de De Kooning, au regard inachevé de ses formes. Ses peintures sont des métamorphoses du monde visible et à la fois de son propre monde mental et émotionnel. Comme ces réalités ont changé aussi souvent que les relations de l’artiste avec elles, son art échappe à toute classification stylistique. Le style de Kooning est extrêmement vital et maintient un équilibre tendu. La transformation et le changement sont des facteurs dominants dans l'imagerie de ce peintre éminemment doué.

En effet, l'artiste a toujours conservé le droit de décision artistique et a résisté à l'idée d'être qualifiée d'expressionniste abstrait en produisant des œuvres manifestement figuratives, sans se soucier de la confusion que ses femmes ont provoquée parmi les experts en art.

À la fin des années quarante et au début des années cinquante, de Willem de Kooning et ses contemporains new-yorkais, dont Jackson Pollock, Franz Kline, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Barnett Newman et Mark Rothko, ont acquis une réputation notoire pour avoir rejeté les normes stylistiques acceptées telles que Le surréalisme et le cubisme en dissolvant la relation entre le premier plan et l'arrière-plan et en utilisant de la peinture pour créer des gestes émotionnels abstraits. Ce mouvement était surnommé «action painting», «expressionnisme abstrait» ou simplement «école de New York». Jusque-là, Paris était considéré comme le centre de l'avant-garde et la nature novatrice des contributions de Picasso était frustrante et difficile à dépasser pour ce groupe d'artistes de New York hautement compétitifs.

Comme De Kooning l'a clairement dit une fois: "Picasso est l'homme à battre!". Avec Jackson Pollock, il réussit enfin à voler la place sous le feu des projecteurs à certains artistes parisiens et fut la raison du déplacement historique du monde de l'art de Paris à New York, devenant la capitale de l'art après la guerre. II. Si Jackson Pollock était le visage public de l’avant-garde new-yorkaise, Willem de Kooning était «l’artiste artiste», perçu par nombre de ses pairs comme son chef. Il obtint son premier succès critique en 1948 avec sa première exposition personnelle à la galerie Charles Egan à l'âge de quarante-quatre ans. Cette exposition était essentielle à la réputation de l’artiste et montrait des peintures à l’huile et à l’émail densément travaillées, notamment ses peintures en noir et blanc bien connues.

Une des peintures principales et les plus importantes de l'artiste est Excavation, achevée en 1950, pour laquelle il a reçu la médaille Logan et le prix d'achat de l'Art Institute of Chicago. Certains critiques disent qu'il s'agit sans doute d'un des tableaux les plus importants du XXe siècle. C'est durant cette période qu'il a obtenu le soutien de deux des critiques les plus influents de la scène artistique New-Yorkaise - Greenberg et Rosenberg. Son succès ne l’empêche pas d’explorer et d’expérimenter les styles.

En 1953, il choqua le monde de l'art en exposant une série d'œuvres figuratives peintes de manière agressive, ses célèbres peintures «Femme». Ces Femmes étaient des types ou des icônes bien plus que des portraits d’individus. Son retour à la figuration a été perçu par certains comme une trahison des principes expressionnistes abstraits, qui mettaient l'accent sur l'abstraction. Bien qu'il ait perdu le soutien de certains critiques d'art de l'époque, le Musée d'art moderne de New York a accepté le changement de style de l'artiste comme une avancée dans son travail et a acheté Woman I en 1953.

À l'époque, ce qui paraissait statistiquement récréatif pour certains, était clairement avant-gardiste.

L'artiste a eu une carrière éminente qui a duré plus de sept décennies et, au cours de cette longue période, il a travaillé à travers une vaste gamme de styles. Bien qu'il soit souvent associé à l'expressionnisme abstrait, l'artiste a généralement rejeté toute association avec un mouvement artistique spécifique. Le travail physique et d'innombrables révisions sont des constantes dans son travail, qui vont de l'abstraction à la figuration, en fusionnant souvent les deux. Il était connu pour retravailler fréquemment des toiles, peignant longtemps sur une toile, avant de gratter tout le travail et de recommencer.

«Je n'ai jamais cherché comment faire une bonne peinture…», a-t-il dit une fois. "Je n’ai pas travaillé dessus avec l’idée de perfection, mais pour voir jusqu’à quel point on pourrait aller..."