L'Expressionnisme Abstrait aux couleurs de Mark Rothko

ArtWizard, 23.09.2019

«Vous pourriez aussi bien comprendre une chose. Je ne suis pas abstraite ... Je ne m'intéresse pas aux relations de couleur, de forme ou autre. Je ne m'intéresse qu'à l'expression des émotions humaines fondamentales - tragédie, extase, destin, etc. Et le fait que beaucoup de gens s'effondrent et pleurent quand ils sont confrontés à mes images montre que je communique ces émotions humaines fondamentales ... Les personnes qui pleurent avant mes images vivent la même expérience religieuse que lorsque je les ai peintes. Et si, comme vous le dites, vous n'êtes ému que par leurs relations de couleurs, vous ratez le problème.»

Mark Rothko

Mark Rothko était l'un des artistes abstraits emblématiques du 20ème siècle. Bien que Rothko soit très intelligent et instruit, il n’était pratiquement pas instruit en peinture et en art. Il devint cependant l'un des artistes les plus en vogue et les plus célèbres, membre du mouvement artistique américain des expressionnistes abstraits. Rothko croyait que l'art était vraiment une expression de l'émotion et des circonstances sociales et il éprouvait une profonde méfiance envers l'argent et la richesse matérielle.

Né en 1903 en Lettonie, Markus Rothkowitz, Rothko immigra aux États-Unis avec sa famille en 1913. En 1921, il entra à l'Université de Yale et le quitta deux ans plus tard. Comme ses pairs, il a trouvé sa direction et sa place à New York.

Les capacités artistiques de Rothko étaient essentiellement autodidactes, même s'il passa peu de temps avec le peintre cubiste Max Weber, qui exerça une grande influence sur le jeune artiste de l'époque. Weber lui a montré comment exprimer ses émotions avec l'art, ce qui est resté l'influence primordiale et le moteur de Rothko tout au long de sa vie et de sa carrière artistique. La plupart des influences sur l’art de Rothko étaient intellectuelles et hautement philosophiques. L'un d'eux est celui de Friedrich Nietzsche et de son œuvre «La naissance de la tragédie» en particulier.

Dans le livre de Nietzsche, on trouve la théorie selon laquelle les leçons de la mythologie grecque sont les éléments constitutifs d'une vie pleine de sens, et sans l'aide des tragédies, l'homme est condamné à vivre une existence ignorante et sans joie. En se basant sur cette influence, Rothko a commencé à essayer de libérer l'homme de son être sans expression. Il a affirmé que ses œuvres les plus colorées expriment diverses émotions, essayant ainsi de rétablir un cadre spirituel et émotionnel pour la vie moderne. Ses œuvres exprimaient les émotions humaines sous leurs formes les plus glorieuses. Rothko était si déterminé à transmettre ces émotions aux spectateurs de cette œuvre qu'il finit par refuser de vendre des toiles à des personnes qui "ne réagissaient pas correctement" aux peintures de sa galerie, craignant que "les gens veuillent acheter mes peintures parce qu'ils étaient à la mode, pas parce qu’ils étaient émus ».

Le chemin artistique de Rothko a traversé différentes étapes jusqu'à ce que l'artiste atteigne le style avec lequel il est devenu célèbre - les rectangles colorés. Il a commencé par des peintures réalistes, la grande majorité d'entre elles étant réalisées au début de sa carrière, avant même qu'il ne devienne un artiste à temps plein, et qu'elles étaient en grande partie de nature surréaliste. Fortement influencé par les idées psychologiquement intrigantes prônées par des artistes surréalistes, comme «Slow Swirl au bord de la mer» de Joan Miro (1944), il a montré les capacités de Rothko à leur meilleur. Dans ce travail émotionnel, Rothko a essayé de réduire sa réalité pour n’exprimer que les os nus de l’expérience de la vie au bord de la mer.

Avec le temps, le style de Rothko s'est rapidement détourné des thèmes réalistes, élargissant son image pour y inclure les couleurs inspirantes de l'humeur d'artistes abstraits modernes tels que Piet Mondrian, ce qui a abouti à ce qu'il considérait comme une expression plus pure de l'émotion; moins de réalisme mais plus de réalité d'émotion.

Au milieu des années 1940, le travail de Rothko était complètement abstrait. Il avait rejoint l'avant-garde du nouvel artiste américain, l'expressionniste abstrait. Ce groupe d’artistes principalement américains, dont Jackson Pollock, Barnett Newman et Willem de Kooning, n’avait en fait que très peu de points communs et n’était ni purement abstrait, ni expressionniste. Ce qui les a unis est un sentiment rebelle d'émotion brute, la perception d'immédiateté d'expression et le fait que chacun d'eux était un esprit artistique libre. Dix ans plus tard, Rothko maîtrisait déjà son célèbre style de rectangles de couleur. Contrairement à certains de ses collègues artistes expressionnistes abstraits de l'époque, il avait rejeté les méthodes physiques, parfois violentes, d'application de la peinture au profit d'une forme plus spirituelle et plus contemplative d'appréciation de la couleur. Ces nouvelles peintures étaient composées de plusieurs grands blocs rectangulaires de couleur placés principalement horizontalement sur la toile. Parfois vives et finalement assez sobres, ces peintures transmettent l’émotion humaine dans toute sa splendeur; de la joie et de l'extase au chagrin et à la dépression. Comme certains des amis les plus proches de Rothko pensaient qu'un tel style serait un pas trop difficile à comprendre pour le grand public, il est apparu que son travail de génie avait transcendé le besoin de personnages ou de scènes de la nature et ont reussi a atteindre le coeur vivant du spectateur.

Ses expériences de provocation auprès des spectateurs ont commencé par ses œuvres réalistes, l’une des plus célèbres étant «Scènes dans le métro», qui consiste en une série d’œuvres illustrant des voyageurs sans visage qui voyagent dans l’affaire de manière très impressionniste. La manière dont les objets sont présentés montre la monotonie sans âme de la vie de la métropole à New York.

Certains des travaux les plus infâmes de Rothko, cependant, sont "Les peintures murales de Seagram's". Ils ont été mandatés par le célèbre fabricant de boissons pour fournir des peintures murales à leur nouveau restaurant à New York. Rothko décida de créer une quarantaine d'œuvres en rouge foncé et marron pour orner les murs de la prestigieuse salle. Étrange socialiste perçu dans ses convictions politiques et philosophiques, Rothko a choisi d'orienter ses blocs de couleurs dans un plan vertical inhabituel pour ces peintures murales, car ils devaient regarder les clients du restaurant de la manière la plus inconfortable possible. ne pas se sentir détendu en mangeant leurs repas hors de prix. Il est intéressant de savoir que Rothko n’a pas laissé les œuvres dans le restaurant qui vient d’ouvrir ses portes, comme l’a affirmé l’artiste, toujours convaincu du socialisme idéaliste: «Il ne pourrait pas continuer à travailler là où tant de capitalistes dégoûtants mangent et dépenser de l'argent". Et ainsi, les œuvres ont été placées dans son atelier, d'où ils sont allés dans certains des plus grands musées du monde.

Rothko a souffert presque toute sa vie d'anxiété intense et de ses habitudes liées à la consommation d'alcool et de tabac. Après avoir survécu à un anévrisme, il a continué à fumer et à boire malgré les ordres de son médecin, mais il a réduit la taille de ses toiles et est passé de l’huile à la peinture acrylique afin de réduire les contraintes que son processus de peinture faisait peser sur son corps. En 1970, à l'âge de 66 ans, l'artiste souffrant de dépression chronique s'est suicidé, laissant derrière lui un ensemble d'œuvres qui lui ont valu à la fois un succès critique et commercial.

Le patrimoine artistique laissé par Rothko au monde de l'art moderne est profond. Jamais auparavant, ni depuis lors, un artiste n'a manifestement ignoré les règles de l'art avec des résultats aussi fantastiques. Sa vie et son travail ont influencé les artistes du monde entier..