Yayoi Kusama – Réseau de l'infini

ArtWizard 09.11.2020

« Mon art a ses racines dans mes hallucinations, que je ne vois que moi. Je traduis des hallucinations et des images obsessionnelles, qui m'irritent, en peintures et sculptures. Tous mes pastels sont le produit d'une névrose obsessionnelle-compulsive et sont donc inextricablement liés à ma maladie. Mais je crée quelque chose même quand je ne vois pas d'hallucinations. »

Yayoi Kusama

Yayoi Kusama in the window of Luis Vuitton boutique at the opening of her own collection, 2012

En tant que l'une des artistes les plus reconnaissables et les plus célèbres des 20e et 21e siècles, la japonaise Yayoi Kusama, née il y a plus de 91 ans, développe son propre langage créatif, qu'elle parle dans le monde non seulement de l'art contemporain, mais aussi de la mode, le design et la littérature, et même la politique. Reconnaissable par l'ornement « préservé » de cercles multicolores ou monochromes, c'est pourquoi elle a reçu le surnom de « Polka Dot Queen », ainsi que par les légendaires citrouilles et les célèbres installations à grande échelle - aujourd'hui ce n'est pas le cas facile de trouver une personne qui à la vue de ces créations ne s'exclame pas : «Oh ! Kusama! »

Yayoi Kusama, The Infinite Room

Yayoi Kusama est né à Matsumoto (Nagano, Japon) le 22 mars 1929 dans une famille conservatrice. Dès son enfance, maltraitée par sa mère, elle a commencé à souffrir d'hallucinations, d'images et de pensées obsessionnelles. Sur les conseils d'un psychiatre, elle a commencé à peindre lorsqu'elle était enfant et a commencé à représenter les mêmes points sur différents types de surfaces, ce qui est devenu plus tard son image la plus reconnaissable : des points blancs sur fond rouge. Le transfert de ce style à la peinture, à la décoration intérieure et à l'habillement aux États-Unis est en partie vu comme une forme de minimalisme, et l'artiste elle-même préfère le terme « réseau de l'infini ».

En 1948, Yayoi a quitté la maison pour s'inscrire à l'École des Arts et Métiers de Kyoto, où elle a étudié le style Nihonga littéralement traduit du japonais par « peinture japonaise »  pendant un an. Elle a dit plus tard : « Quand je pense à ma vie à Kyoto, ça commence à me rendre malade », et se souvient qu'elle déteste le soi-disant « Iemoto », c.-à-d. le système éducatif japonais traditionnel, qui suppose une certaine subordination et la relation « maître-élève ».

Après un an à l'école d'art, Kusama a commencé à expérimenter avec les styles et, en 1950, elle peignait ses célèbres cercles blancs sur fond rouge, qui, selon elle, étaient dérivés de ses hallucinations. Elle a rappelé plus tard : « Une fois que je regardais une nappe avec une fleur rouge. En levant les yeux, j'ai soudainement vu les mêmes fleurs recouvrant le plafond, les fenêtres, les murs, toute la pièce, mon corps et l'univers. J'ai ressenti cela. Je me détruisais, me dissolvais dans l'infini du temps et de l'espace, devenant Rien. J'ai réalisé que cela ne se produisait pas dans mon imagination, mais en réalité, et j'avais peur. »

L'artiste américaine Georgia O'Keeffe a eu une énorme influence sur le travail de la jeune artiste, dont les œuvres ont tellement impressionné Yayoi qu'elle a écrit plusieurs lettres à son idole et a reçu une réponse inattendue. À la suite de cette correspondance en 1957, la Japonaise de 27 ans est arrivée aux États-Unis, bien que sa mère s'y soit fermement opposée, disant qu'elle ne devrait jamais revenir. Kusama a menti aux autorités japonaises qu'elle était attendue aux États-Unis pour sa première exposition personnelle, et en raison de l'interdiction du pays d'exporter de grosses sommes, elle a cousu une partie de son argent dans la doublure de sa robe et a poussé l'autre dans le les orteils de ses chaussures. L'artiste a fièrement posé le pied sur le sol américain avec plus de 2000 de ses œuvres et 6 douzaines de kimonos.

Yayoi Kusama, Untitled, 1953

Déjà en Amérique, elle a détruit ses premières œuvres, qui lui rappelaient le passé, ne laissant que celles qu'elle espérait vendre. Le jeune artiste japonais inconnu faisait face à de nombreux problèmes, n'avait pas d'argent, ne connaissait personne d'autre qu'O'Keeffe. Après une tentative infructueuse d'organiser une exposition à Seattle, de retour à New York, Kusama a rencontré la marchande d'art Edith Halpert. Cela a affecté sa situation financière, et elle-même a commencé à faire connaissance et a trouvé sa place dans la vie artistique des États-Unis, se déplaçant souvent en compagnie d'Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Mark Rothko et n'a pas arrêté de peindre. Son art a sa renommée mais pas d'argent et elle a vécu au bord de la survie. Dans le même temps, elle a commencé à étudier à la League of Arts Students de New York, qu'elle a fréquentée pendant près d'un an.

Yayoi Kusama, The Infinite Room of Mirrors - Phallus Field, 1965

Dans les années 1960, Yayoi Kusama s'est retrouvée au centre de la soi-disant première génération hippie, qui se caractérise par une attitude pacifiste prononcée et une tendance au comportement excentrique. L'artiste était considérée comme l'un des chefs de file de l'avant-garde, et son origine ethnique, appartenant à une culture et un état mental « exotiques », a fait porter attention au public à toutes ses performances inhabituelles. Dans la seconde moitié des années 1960, Kusama a organisé une série d'événements anti-guerre qui ont eu lieu dans des lieux publics et ont inclus des personnes nues (Wall Street Anatomical Explosion, Self-Destruction, Brooklyn Bridge Anatomical Anti-War Explosion). A cette époque, Yayoi Kusama a commencé à créer les soi-disant « salles de miroir », c'est à dire des espaces artistiques spéciaux qui, grâce aux miroirs et au design unifié, créent une illusion visuelle d'infini devant le spectateur et le plongent dans un environnement inhabituel et surréaliste.

Yayoi Kusama, Accumulation No1, 1962

Au début des années 1960, Kusama incluait de plus en plus des symboles phalliques dans son travail, et l'une de ses œuvres emblématiques était « Accumulation №2 » de 1962 - un canapé enveloppé de « protubérances » de divers tissus, ce qui semblait absurde et menaçant. Le sous-texte de ce travail est plus lié à la sexualité et à l'identité qu'à la peinture, disent les chercheurs de son travail. Ces étranges « ajouts » couvrant l'objet ressemblaient plus à une parodie du soi-disant « pouvoir phallique ». Les phallus sont également présents dans la conception de meubles (par exemple, le Cluster, 1966), de vêtements (chapeau avec phallus) et d'espaces (The Infinite Room of Mirrors - Phallus Field, 1965), interprétant cela comme une manifestation du féminisme et de la recherche pour une identité de femme. Plus tard, l'artiste elle-même a noté qu'elle avait une peur inexplicable des organes génitaux et, amenant le symbole lui-même à l'absurdité, a essayé de travailler avec des formes « interdites » pour elle-même.

Yayoi Kusama, Accumulation on Cabinet

Yayoi Kusama, The Clouds, 1984

Comme beaucoup d'autres motifs qui habitent son travail, son amour des citrouilles a des racines dans son enfance. C'est alors qu'elle rencontra pour la première fois une citrouille qui lui parlait. Kusama a découvert que les citrouilles sont «si délicates au toucher, si attrayantes en couleur et en forme », et s'est engagée avec passion à les reproduire, en explorant toutes leurs formes et caractéristiques. Aujourd'hui, ses citrouilles ne peuvent pas être confondues - aux couleurs vives et toujours couvertes de points noirs. « Je rencontre l'esprit de la citrouille, oubliant tout le reste et me concentrant entièrement sur la forme devant moi ... J'ai passé un mois entier devant une citrouille. »

Yayoi Kusama's Giant Pumpkin at The Place Vendôme, Paris

En 1966, Yayoi Kusama a eu l'occasion de participer à la Biennale de Venise, mais en raison de sa réputation scandaleuse, elle n'a pas été autorisée. Bien que Kusama ne soit pas une participante officielle à l'événement, elle a reçu le soutien moral et financier de Lucio Fontana (un artiste et sculpteur amoureux de la créativité de Kusama) et la bénédiction du président de la Biennale. Kusama a répondu à l'élite hypocrite de l'art en plaçant une installation sur l'herbe devant le pavillon italien juste en face du bâtiment où se tient la Biennale. L'œuvre consiste en un champ avec 1'500 boules à facettes en plastique et une pancarte avec l'inscription : « Votre narcissisme est à vendre » (l'orthographe est délibérément erronée.) Les boules donnent l'impression d'être multipliées à l'infini Invitant le public à regarder leur propre reflet à travers le Jardin des Narcisses, et Kusama a confronté les visiteurs à des concepts tels que l'ego et la vanité. L'installation a suscité un grand intérêt, mais a fait scandale : vêtu d'un kimono doré, Yayoi s'est tenu dans son « jardin » à côté de l'enseigne et a vendu ses boules d'argent aux visiteurs pour 2 EUR. Façon trop audacieuse d'intégrer l'idée d'économie échange entre la production artistique, la circulation et la consommation. Kusama a été invité à quitter la Biennale, mais le Jardin des Narcisses est resté.

Yayoi Kusama's Narcissus Garden in Venice, 1966

À la fin des années 1960, Yayoi Kusama était déjà qualifiée d'artiste scandaleuse avec ses images et ses signes « préservés ». Des thèmes qui commencent également à caractériser le travail de l'artiste apparaissent. Le concept le plus important est celui d'autodestruction. Le terme « auto-oblitération » /« self-obliteration » apparaît dans les noms de plusieurs de ses œuvres, et dans ses propres mots dérive du concept japonais de « kayaks ego » (littéralement traduit par «répétition éternelle»). À ce moment-là, Kusama a commencé à faire des déclarations politiques, dont la plus célèbre pourrait être considérée comme l'incendie du drapeau soviétique pour protester contre l'invasion de la Tchécoslovaquie et une proposition à Nixon (alors président des États-Unis) d'avoir des relations sexuelles avec lui s’il a accepté de retirer ses troupes du Vietnam.

Kusama s'est toujours prononcé contre l'élitisme de l'art, affirmant que « l'art doit être placé à côté des supermarchés pour attirer les gens en dehors de l'élite créative ». Cette position dans les cercles artistiques américains des années 60 a fait en sorte qu'à un moment donné, le leader d'avant-garde Yayoi Kusama est devenu un pionnier du pop art américain. Bien que l'artiste elle-même n'ait jamais considéré cela comme sa direction, car elle a toujours eu une attitude très négative envers le positionnement du pop art, en tant que « style national des États-Unis », et a également considéré les répétitions caractéristiques des artistes de cette direction, pour quelque chose sans âme et froid. De plus, voyant l'installation par Andy Warhol de murs recouverts de papier peint à visage de vache, elle l'a accusé de plagiat, affirmant que c'était une répétition de son “Groupe de milliers de bateaux”, où l'image d'un bateau était simplement remplacée par une tête par vache.  Fait intéressant, un peu plus tard, Claes Oldenburg, un autre classique de l'artiste pop a également été accusé de plagiat, et dans son cas, tout était si évident que sa femme a été obligée de s'excuser. 

1968 a été particulièrement fructueuse pour l'artiste et elle a créé sa propre marque Kusama Fashion Company Ltd., qu'elle a vendue dans le célèbre grand magasin Bloomingdale’s.

Son nom est devenu extrêmement connu, des personnes de haut rang ont réagi à ses « singeries » et ont par conséquent commencé à la détenir assez souvent. Curieusement, lors de l'une des détentions, le garde du poste a reconnu Kusama et lui a avoué qu'il était son fan, après quoi il lui a donné un gâteau, et l'une des filles de la cellule voisine a exprimé le désir de prendre part à toute action future de l'artiste. Dans le même temps, au Japon, le travail de Yayoi Kusama a été perçu extrêmement négativement. Elle a été appelée sans vergogne et il y avait même une collection de signatures à l'école qu'elle a étudiée à Kyoto pour exclure son nom de la liste des anciens.

Au début des années 70, Yayoi a continué à être actif et est apparu sur les couvertures de divers magazines beaucoup plus souvent que tout autre artiste à l'époque. Elle a été accusée d'autopromotion et a noté qu'il était difficile de déterminer où finissent l'excentricité et les caractéristiques mentales et où la publicité commence, « spéculant avec sa propre folie ». Mais le plus souvent, elle était vénérée pour sa capacité à apprivoiser sa folie à travers l'art.

Kusama ne s'est jamais mariée, bien qu'elle ait vécu à New York pendant 10 ans avec l'artiste Joseph Cornell. En 1973, un an après sa mort et une autre tentative de suicide, elle décide de quitter les États-Unis et de retourner dans son pays natal. « Je détestais le sexe, et il était impuissant, alors nous nous intégrions », va-t-il déclaré à Art Magazine. À ce moment-là, sa santé se détériorait fortement et les médecins japonais ont découvert qu'elle avait un goitre diffus et des fibromes utérins. Ses hallucinations ont augmenté et son état psychologique s'est généralement aggravé. Après avoir subi un traitement, Yayoi Kusama a essayé de vendre des peintures à des maîtres occidentaux, mais bientôt la crise pétrolière a commencé et cette entreprise est devenue fondamentalement impossible. En mars 1977, Yayoi s'est portée volontaire pour la clinique psychiatrique de Saveva en raison de son apparent trouble obsessionnel-compulsif.

Yayoi Kusama a passé les dix années suivantes au Japon et son nom a été progressivement oublié. Le « retour » de l'artiste a eu lieu à la fin des années 80, lorsque plusieurs rétrospectives de son travail ont eu lieu en Europe. En 1993, elle a été chargée de représenter officiellement le Japon à la Biennale de Venise, et les années suivantes, elle a représenté son pays deux fois de plus (1998, 1999) à cet événement prestigieux dans l'art.

Yayoi Kusama and Marc Jacobs, 2012

En 2011, Yayoi Kusama a collaboré avec Marc Jacobs et Issey Miyake pour créer une collection au succès sans précédent pour Louis Vuitton en 2012, qui a été qualifiée à plusieurs reprises de projet le plus réussi à l'intersection de la mode et de l'art de tous les temps. Mark Jacobs lui-même affirme avoir pensé travailler avec l'artiste japonaise quelques années plus tôt, même en 2006, il a visité son atelier au Japon. La publication de la collection s'accompagne d'une campagne publicitaire, qui comprend un concours dans lequel les gagnants reçoivent le livre « Alice au pays des merveilles » conçu par Yayoi Kusama. À l'époque, le grand magasin Selfridges décorait les 24 vitrines de style Kusama.

Part of Yayoi Kusama collection for Luis Vuitton, 2012

Yayoi Kusama, The Infinite Room

Un rôle inattendu dans le sort de l'artiste est joué par les réseaux sociaux -  « Mirror Rooms », des installations avec des cercles et des sculptures psychédéliques à grande échelle s'avèrent être un matériau idéal pour Instagram. La jeune japonaise étrangère, qui rêvait de conquérir New York et le monde, a non seulement réalisé son rêve, mais est également devenue un mythe vivant de son temps. Ouvert à Tokyo fin septembre 2017, le musée Yayoi Kusama, dédié à l'ensemble de son œuvre, en témoigne une fois de plus. Il n'y a pas de files d'attente devant l'étrange bâtiment, mais la raison en est que vous ne pouvez entrer à l'intérieur qu'en pré-réservant et les billets sont achetés des mois à l'avance. Ses expositions ont été un énorme succès au Centre Pompidou, au MoMA et autres. Dans les années 1960, Kusama était la « honte de la ville” et a même été retirée de la liste des écoles, et aujourd'hui les étudiants de Matsumoto étudient son travail.

Yayoi Kusama, The Infinite Room

Dans la lutte acharnée de sa vie, pressée à un point au bord du néant, Kusama parvient toujours à apprivoiser l'infini. Avec sa productivité effrénée et son contrôle esthétique enviable, elle transforme depuis plus de 60 ans les dérangeantes invasions illusoires de son cerveau en art.

Yayoi Kusama elle-même apparaît invariablement en public avec une perruque fluo avec une frange droite, une robe colorée de sa marque et des lunettes de soleil ludiques dans des montures en plastique colorées. Aujourd'hui, à 91 ans, elle continue de peindre 3-4 heures par jour. Elle le fait elle-même, ses assistants ne posant que l'apprêt sur les toiles. Elle a récemment prolongé sa semaine de travail de cinq à six jours, gardant le dimanche pour écrire, lire, parler au téléphone et dessiner de plus petites images. Elle arrive à son studio en fauteuil roulant, peint, puis retourne à la clinique psychiatrique à deux pâtés de maisons, qui est sa maison.

Yayoi Kusama, The Infinite Room

Yayoi Kusama, Im Here But Nothing, 2000

Yayoi Kusama, Flower by Yayoi Kusama 

Yayoi Kusama, Butterfly, 1988

Yayoi Kusama, Petals, 1988

Yayoi Kusama, Waves on the Hudson River, 1988

Yayoi Kusama, Sunlight, 1998