ArtWizard présente la Galerie Ernst Hilger

ArtWizard 29.10.2021

Au cours des derniers mois, ArtWizard a commencé à offrir un nouveau service aux galeries, un service de représentation et de vitrine permettant à des galeries soigneusement sélectionnées d'exposer leurs œuvres, d'en faire la publicité et d'organiser des expositions des artistes qu'elles représentent sur la plateforme Virtual Art Space (VAS) d'ArtWizard. 

ArtWizard a le plaisir de présenter la première galerie représentée sur la plateforme - la galerie Ernst Hilger.

La Galerie Ernst Hilger est l'une des plus éminentes galeries de Vienne, créée en 1971 au cœur de Vienne, à la Dorotheergasse 5 (premier étage) dans le 1er arrondissement de Vienne. Le fondateur de la galerie, M. Ernst Hilger, est une personnalité éminente non seulement sur la scène artistique viennoise, mais aussi au niveau mondial, puisqu'il a été à la tête de la FEAGA (Association de la Fédération des Galeries d'Art Européennes) pendant plusieurs années et membre de nombreux comités de foires d'art, dont Art Basel. Il a été le plus ancien président de l'Association des galeries autrichiennes et a contribué à établir la conception actuelle du rôle des galeries en tant que partenaires des musées, des collectionneurs et des représentants de l'État.

La liste des artistes représentés reflète la longue histoire de la galerie, représentant les œuvres d'artistes tels que Erró et Mel Ramos, ainsi que les représentants du modernisme autrichien à partir des années 1960 et les principaux représentants des plus importants mouvements artistiques internationaux du XXe siècle - de Pablo Picasso et Jean Dubuffet aux artistes du Pop Art comme Andy Warhol et Keith Haring en passant par la Figuration narrative (Jacques Monory).

Outre son espace principal représentatif, la Galerie Ernst Hilger dispose d'un espace spécial pour étendre et renforcer la coopération avec les lieux d'exposition et les musées internationaux. À cette fin, l'espace de 800 m², représentant la HilgerBROTKunsthalle a été inauguré en 2009. Dans cet espace expérimental, la galerie a fait son laboratoire pour les projets curatoriaux, conçus pour soutenir et influencer tous les partenaires impliqués. Cet espace expérimental spécial de la galerie contient également trois appartements d'hôtes pour les artistes et les conservateurs en visite et en activité, qui ont joué un rôle déterminant dans la présentation des projets d'exposition de la galerie dans d'autres lieux institutionnels, tout en attirant des collectionneurs internationaux qui ont visité et acquis des œuvres. Il s'agit, entre autres, de Harald Falkenberg, Jorge Perez, la Collection de Photographie de l'Autorité des Musées du Qatar, Darga Jais, Bali, Sutomo Suprajito, Indonésie, la Collection NADOUR. 

Cet automne, la Galerie Ernst Hilger a présenté deux expositions éminentes.

La première a eu lieu du 2 septembre au 15 octobre 2021 dans l'espace de représentation principal de la galerie, Dorotheergasse 5, et présentait l'artiste Anton Henning. Anton Henning, 1964 est un artiste autodidacte né et élevé à Berlin-Ouest, qui vit et travaille à Manker, Allemagne.

Exposition d'Anton Henning à la Galerie Ernst Hilger

A propos de l'artiste Anton Henning, George Robertson dit ce qui suit :

"Si nous imaginons l'histoire de l'art comme une conversation permanente, Anton Henning est un "maître conversationniste", qui parle plusieurs langues à la table et ouvre toujours de nouvelles conversations. Le sujet ne change pas. Henning reste conscient des thèmes visuels apparemment d'hier, comme le nu, l'intérieur, la nature morte et le paysage.

Henning travaille comme un grand chef. Il a un appétit énorme pour le nouveau et l'ancien, le cru et le braisé, le particulier et le conventionnel, pour la finesse, l'harmonie et l'irritation, l'ironie, la sensualité et le romantisme. Presque avec insolence, il mélange ses ingrédients avec un peu de citron et invente des types d'images totalement nouveaux qui ressemblent à de vieilles connaissances (d'une autre étoile). Le spectateur se retrouve à nouveau dans le jeu du familier et de l'inquiétant, du confort et de l'excentricité. 

S'il s'agissait vraiment de nourriture, on dégusterait tout le menu les yeux fermés avec plaisir. Presque comme si un clignement d'œil était une pause déraisonnable pendant votre plaisir des yeux. Cependant, une histoire d'horreur pour les théoriciens secs, l'art d'Anton Henning ne cherche pas le consensus. Il nous met au défi. Il nous pousse à repenser notre mémoire visuelle et notre expérience esthétique antérieure. 

Et tout cela, avec une apparente facilité. C'est un plaisir pour lui d'unir les contradictions dans la composition, la composition dépasse l'œuvre individuelle pour s'étendre à la pièce, les différentes pièces se trouvent dans une relation de composition finement réglée les unes par rapport aux autres, de sorte que le spectateur d'une exposition se retrouve dans son propre cosmos, dans lequel Henning, avec ses propres meubles, tapis, lampes, tables, sculptures, dessins, peintures et même musique, semble prescrire le concept d'œuvre d'art totale sans s'y engager.

Tout cela doit d'abord être digéré. Henning en est conscient et, d'une manière ou d'une autre, sert le bon digestif...

L'indépendance d'Anton Henning et son maniement ludique de l'apparemment incompatible font de lui une source d'inspiration pour de nombreux jeunes artistes, et probablement bientôt pour les chefs cuisiniers aussi."

La deuxième exposition a lieu du 23 septembre au 20 novembre 2021 dans le deuxième espace de la galerie Ernst Hilger - Hilger Next, dans le 10e arrondissement de Vienne, où se trouve l'espace expérimental de la galerie. La galerie y présente une exposition d'artistes australiens sélectionnés, organisée par Simon Mordant AO et soutenue par l'ambassade d'Australie à Vienne.

Exposition TERRA AUSTRALIS REVISITED à la galerie Hilger Next  

L'exposition s'intitule TERRA AUSTRALIS REVISITED et présente de jeunes artistes australiens contemporains :

Tamara Dean

Tamara Dean, australienne, née en 1976 est une photographe, artiste d'installation et de performance dont les œuvres explorent la relation entre les humains et le monde naturel, ainsi que le rôle du rituel dans la vie quotidienne. Dean a étudié au College of Fine Arts et à l'Université de Western Sydney en Australie. Ses œuvres ont été exposées dans le monde entier, notamment à la Brussels Art Fair, au Pingyao Photography Festival en Chine et à l'Australian Centre for Photography.

Dean vit et travaille à Sydney, en Australie, où, en plus d'être une artiste, elle travaille comme photographe pour le Sydney Morning Herald. Son intention, avec ces œuvres, est de changer le récit, de montrer qu'à une époque d'extinction massive, l'humanité est aussi vulnérable que toute autre créature vivante, de faire comprendre que c'est personnel. 

Linde Ivimey

Linde Ivimey est née à Sydney, en Australie, et a obtenu un diplôme des beaux-arts en gravure et en sculpture à la Claremont School of Art de Perth. Elle a enseigné à cette école de 1993 à 1995 et a également donné des cours à la West Australian School of Art de 1996 à 1998. En 2003, sa première exposition au Heide Museum of Modern Art de Melbourne a connu un succès financier.

Depuis ses débuts, Ivimey a participé à des expositions remarquables dans le monde entier, notamment Bone Idol à Berlin, en Allemagne (2014), le Blake Prize for Religious art (2000), à Sydney, et Materiality à la Royal Melbourne Institute of Technology Gallery (1999), pour n'en citer que quelques-unes. Parmi les prix reçus, citons le Gomboc Sculpture Award (1992), le SECWA Fremantle Art Award (1991), et le Friends of Dorothy Award for Sculpture, Perth. Ses collections peuvent être vues dans de nombreuses galeries, dont la National Gallery of Victoria, la National Gallery of New York et la National Gallery of New York : National Gallery of Victoria, National Gallery of Australia, et Hugo Collection.

Ivimey se considère comme une artiste visuelle. Elle est connue pour son utilisation de matériaux recyclés, incorporant souvent des os et des peaux, principalement ceux d'oiseaux, de moutons et de poissons, dans des statues à grande échelle et de petits personnages détaillés. Elle fait appel à de nombreuses compétences, de la soudure à la cuisine, en passant par le tissage, la sculpture sur bois et la couture. Pour certains, son travail est considéré comme macabre. Sa réaction à ce sujet a été enregistrée comme suit : "Je peux accepter qu'elles soient un peu macabres et confrontantes", déclare-t-elle. "Mais quand les gens disent 'oh, c'est bizarre, je ne pourrais pas supporter ça chez moi', je leur rappelle gentiment que je n'aime pas trop les canapés à fleurs, mais s'ils m'ont invitée à m'asseoir dessus, je ne vais pas leur dire."

Janet Laurence

Janet Laurence est une artiste de l'environnement. Pendant plus de 35 ans, elle a réalisé des œuvres d'art publiques et des installations spécifiques à un site. Un projet récent, Deep Breathing : Resuscitation for the Reef for both the Paris Climate Change Conference (2015), a présenté l'une des plus grandes merveilles naturelles de l'Australie à un public international réuni à Paris pour la conférence des Nations unies sur le changement climatique en novembre 2015. L'œuvre de Laurence comprend des photos, des vidéos et des matériaux naturels comme des coraux et des coquillages blanchis. Elle présente également des spécimens de poissons et de tortues empruntés au Musée australien et au Musée national d'Histoire naturelle de Paris, où elle a été exposée.

Le travail de Laurence explore une relation avec le monde naturel, souvent dans un contexte architectural. Elle a exposé dans des galeries et à l'extérieur dans des projets spécifiques à un site, impliquant souvent des collaborations avec des architectes, des architectes paysagistes et des scientifiques de l'environnement.

Laurence vit et travaille à Sydney. Lauréate d'une bourse Rockefeller et Churchill, elle a été membre du conseil d'administration de l'Art Gallery of NSW de 1995 à 2005, du conseil d'administration du VAB de l'Australia Council et est actuellement membre invité de la COFA NSW University. Elle est également membre du conseil de Voiceless, l'institut de protection des animaux.

Laurence était le sujet de l'œuvre gagnante de John Beard pour le prix Archibald 2007. Le portrait représente Laurence dans un moment de réflexion, capturé en noir et blanc, mais texturé avec des ombres et des lumières. Les deux artistes sont des amis proches et la collaboration se prête à un sens du double portrait, l'artiste étant le sujet. Son travail a été inclus dans de grandes expositions nationales et internationales et est régulièrement exposé à Sydney, Melbourne et au Japon.

Lindy Lee

Depuis ses débuts, le travail de Lindy Lee porte sur les questions d'appartenance et d'identité, sur la réconciliation des opposés. Ces questions sont nées d'un profond sentiment de "non-appartenance" en Australie - Lindy est née en Australie mais ses ancêtres sont chinois. Lindy a grandi à l'époque de la politique de l'Australie blanche - une politique conçue pour discriminer les Asiatiques.

La pratique de Lindy Lee explore ses racines chinoises à travers les philosophies du taoïsme et du bouddhisme qui mettent l'accent sur la relation étroite de l'humanité avec la nature et l'univers. Les dessins de cette exposition s'intéressent à l'élémentaire, en particulier aux énergies du feu et de la pluie. Ces deux éléments sont apparemment opposés - la pluie éteint le feu, le feu évapore l'eau. Mais curieusement, lorsqu'ils se rencontrent, ils sont également générateurs - leur combinaison/interaction est volatile mais dynamique et productive de nouvelles formes.

Dans ces dessins, le papier est transpercé par le feu afin de créer des milliers de perforations. Parfois, Lindy projette de l'encre sur le papier au gré de la pluie. La pratique de la peinture à l'encre volante est une ancienne forme de calligraphie chinoise. Après une période de méditation, les moines bouddhistes prenaient un flacon d'encre et l'éclaboussaient sur le papier. La marque qui en résulte est considérée comme la calligraphie de l'univers, ce qui signifie que toutes les forces de l'univers doivent être réunies pour créer cette marque. De même, il faut toutes les forces de l'univers pour créer chaque vie individuelle.

Son travail étudie l'interdépendance entre le matériel et l'immatériel. L'utilisation de matériaux, d'images et de processus dans son travail peut être considérée comme une métaphore de la nature poreuse de "l'être dans le monde", où les frontières entre l'humanité et la nature ; "soi" et "l'autre", "l'individu" et "la société" sont perméables.

Dani Marti

Une citation de l'artiste : "Depuis le début de ma pratique en 2000, mes œuvres se distinguent par une préoccupation obsessionnelle, d'une honnêteté sans faille, pour le désordre de l'être humain. Les questions de sexualité, d'intimité, de corps et d'identité en sont l'essence même. Mes "peintures" abstraites sont composées de matériaux quotidiens étroitement tissés, comme des cordes, des réflecteurs routiers ou des bijoux de fantaisie. Chaque action de la chaîne et de la trame laisse des traces gestuelles qui forment des portraits, jouant sur la tension entre la possibilité et le désespoir simultané de créer une représentation fidèle. La polarité formelle qui existe entre ces manières de travailler est le terrain sur lequel je suis capable d'examiner comment des lectures alternatives sont générées par le spectateur.

Danie Mellor

Danie Mellor est un artiste contemporain australien d'origine aborigène de la forêt tropicale Ngadjon et Mamu qui vit et travaille à Bowral, en Nouvelle-Galles du Sud. Sa pratique multidisciplinaire explore les intersections des cultures indigènes et occidentales, avec des réévaluations des histoires coloniales et contemporaines. Son travail a reçu des prix, des acquisitions et des commandes importantes, notamment la commission de sculpture du MCA Australia (2019), le fonds d'acquisition des membres de la National Gallery of Australia (2018) et le prix national d'art aborigène et insulaire du détroit de Torres (2009).

Les œuvres de Mellor sont conservées dans d'importantes collections nationales et internationales, notamment au Musée des beaux-arts du Canada, au British Museum et aux National Museums Scotland. Il a précédemment occupé des postes de maître de conférences et de maître de conférences à l'Université nationale australienne et à l'Université de Sydney. En 2010, il a été nommé au conseil d'administration des arts visuels de l'Australia Council for the Arts, et a présidé Artform jusqu'en 2015. En 2020, il a été nommé au conseil d'administration du MCA Australia. Ses œuvres explorent des thèmes qui sont liés de manière critique aux histoires culturelles et aux concepts du paysage.

L'exposition TERRA AUSTRALIS REVISITED est présentée à la galerie Hilger Next, Absberggasse 27, 1010 Vienne, jusqu'au 20 novembre 2021.