Фундаментальныe законы живописи Ганса Гофманна

ArtWizard 17.02.2020

«Цвет — это пластическое средство создания интервалов... цветовых гармоник, создаваемых особыми отношениями или напряжениями. Теперь мы различаем формальные напряжения и цветовые напряжения, так же как мы различаем музыку в контрапункте и гармонии».

Ганс Гофманн (1880–1966) - одна из самых важных фигур американского искусства в 20-м веке. Популярный своими обильными, насыщенными цветом холстами и известный как влиятельный учитель для поколений художников, Гофманн прославился сначала в своей родной Германии, а затем в Нью-Йорке и Провинстауне. Он был единственным художником нью-йоркской школы, которая была непосредственно вовлечена в европейский модернизм начала 20-го века и сыграла ключевую роль в развитии абстрактного экспрессионизма. Клемент Гринберг, на которого сильное влияние оказали идеи Гофманна, заявил, что он «по всей вероятности, самый важный учитель искусства нашего времени».

Между 1900 и 1930 годами раннее обучение Гофмана, десятилетия живописи и созданные им художественные школы привели его в Мюнхен, в Париж, а затем обратно в Мюнхен. К 1933 году и в течение следующих четырех десятилетий он жил в Нью-Йорке и в Провинстауне. Эволюция Гофманна от передового учителя современного искусства к основному современному художнику привела его к контакту со многими выдающимися художниками, критиками и дилерами двадцатого века: Анри Матиссом, Пабло Пикассо, Жоржем Браком, Василием Кандинским, Соней и Робертом Делоне, Бетти Парсонс, Пегги Гуггенхайм, Ли Краснер, Джексон Поллок и многие другие. Его успешную карьеру поддержал послевоенный торговец современным искусством Сэм Коотц, а также искусствовед и критик Клемент Гринберг. 

Хофману было 64 года, и много времени прошло от его первой до его второй персональной выставки в «Искусстве этого века» /Art of This Century/ в галерее Пегги Гуггенхайм /Peggy Guggemheim/, которая состоялась в Нью-Йорке в 1944 году. В это время Гофманн уравновешивал требования преподавания и рисования, пока он не закрыл свою школу в 1956 году. Это позволило ему вновь сосредоточиться на собственной живописи, следуя стилю абстрактного экспрессионизма. В течение следующих двадцати лет объемная продукция Хофмана, находящаяся под сильным влиянием использования цветов Матисса и смещения формы кубизма, превратилась в художественный подход и теорию. Он назвал ее «толкни и потяни» /“push and pull”/ и описывал ее как взаимозависимые отношения между формой, цветом и пространством.

Hans Hofmann, Still Life Interior, 1941

От его ранних пейзажей 1930-х годов до его картин конца 1950-х и его абстрактных работ в конце его карьеры до его смерти в 1966 году, Гофманн продолжал создавать смелые экспериментальные цветовые комбинации и формальные контрасты, которые выходили за рамки жанра и стиля.

Hans Hofmann, Magenta and Blue, 1950

Hans Hofmann, Laburnum, 1954

Гофманн родился в 1880 году в Вайссенберге, Бавария, в Йохане Георге Альберте. Он был рано развившийся ребенком, проявлял склонность к математике, музыке, науке, литературе и искусству. Когда ему было шесть лет, его семья переехала в Мюнхен, где его отец получил государственную работу.

Семья Хофмана надеялась, что он разовьет свои таланты в науке, но к тому времени, когда ему исполнилось восемнадцать, он решил заниматься искусством и поступил в художественную школу Морица Хеймана в Мюнхене, где он был очарован импрессионистами. Вскоре после этого он встретил покровителя, который позволил ему поддерживать себя в качестве художника в Париже. Примерно в это же время художник познакомился с Марией («Миз») Вольфегг (ее портрет 1902 года представляет собой ранний пример влияния импрессионизма на его творчество). Пара не выйдет замуж до 1924 года, но она сопровождала его в Париж в 1904 году, и они оставались там до 1914 года. Гофманн находился с визитом в Германии, когда в этом году началась война, и он не смог вернуться в Париж, чтобы спасти свои картины и они были потеряны.

По возвращении в Мюнхен Гофманн основал собственную художественную школу. Его известность вскоре распространилась по всему миру, и его первый визит в Соединенные Штаты в 1930 году был вызван приглашением бывшего студента Уэрта Райдера провести летнюю сессию в Калифорнийском университете в Беркли. Он посетил снова, а затем во время своего третьего визита, когда в Европе усилилась политическая напряженность, Гофманн решил остаться и начал преподавать в Нью-Йорке в Лиге студентов искусств. Он открыл «Школу изящных искусств Ганса Хофмана» в 1933 году, а два года спустя открыл летнюю школу в Провинстауне, штат Массачусетс.

Hans Hofmann, Untitled (Interior Composition), 1935

Гофманн продолжал работать преподавателем до 1958 года, однако обстоятельства в середине 30-х годов позволили ему найти больше времени для своей собственной живописи. У него не было персональной выставки со времени его первой выставки в Берлине в 1910 году. Много лет спустя, в 1944 году, у него была вторая, в «Галерее искусства этого века» Пегги Гуггенхайм в Нью-Йорке.

Большинство представленных работ Хофмана были довольно консервативными по сравнению со стилем некоторых других художников в кругу Гуггенхайма. Картина «Автопортрет с кистями», 1942 типична для его стиля в это время. Вдохновленный окружением его дома в Провинстауне, он также был стилистически эклектичным.

Hans Hofmann, Self-Portrait with Brushes, 1942

Художники под влиянием сюрреализма в галерее Гуггенхайма также поощряли стиль Хофмана двигаться в этом направлении, и его работы постепенно стали более абстрактными и наполненными мифическими и примитивными образами, в результате чего появились такие картины, как «Ветер», c.1944. Некоторые критики даже предполагали, что эксперименты Гофманна с капельной росписью послужили вдохновением для знаменитого использования метода Поллоком. В начале 1950-х годов картины Гофманна стали более насыщенными, и в них использовался толстый импасто с поверхностями, сложенными слоями, и прямоугольными формами, плавающими в областях насыщенного цвета.

Hans Hofmann, The Wind, c.1944

Работа Хофмана как преподавателя, его эмиграция из Европы и его исключительный стиль способствовали его позднему признанию в качестве значимого художника. Тем не менее, он получил много наград и почестей в своей дальнейшей жизни. Ретроспектива его работы была организована Климентом в Беннингтон-колледже в 1955 году. Вместе с Филиппом Густоном и Францем Клайном Гофманн представлял Соединенные Штаты на Венецианской биеннале в 1960 году. А в 1963 году в Музее современного искусства прошла ретроспектива его работы, которая совершила поездку по миру. Его успех в то время был омрачен смертью его жены Миз в 1963 году, но два года спустя Гофманн снова женился. Он посвятил серию картин своей молодой немецкой жене Ренате Шмитц, которая теперь висит в Музей Метрополитен. Гофманн скончался в Нью-Йорке в 1966 году в возрасте 86 лет.

Hans Hofmann, Miz-Pax Vobiscum, 1964

Гофманн был не только выдающимся художником, но и человеком с великими идеями, большинство из которых основывалось на его обширном чтении по немецкой философии, и это установило его пожизненную привычку мыслить дуальностями - в тезисах, антитезах и синтезе. Он был особенно приверженцем идей, сделанных популярными Адольфом фон Хильдебрандом в его книге «Проблема форм в изобразительном искусстве». Основываясь на таких теориях, Гофманн избегал любых предположений о том, что модернистский художник или критик должен различать абстракцию и репрезентацию или жестовые, экспрессионистские стили и геометрические формы.

Одним из его самых интересных представлений было то, что он рассматривал форму произведения искусства, всегда имея в виду пространство, на котором - и в котором - оно находилось. «Форма должна быть сбалансирована с помощью пространства, - писал Гофманн в 1932 году, - ... форма существует из-за пространства, а пространство существует из-за формы». В любом произведении искусства он искал визуальное единство и форму, которые стимулировали интерес к зрителю, будь он приятен глазу или нет.

Гофман прославился своей теорией «толкни и потяни». Он считал, что современные художники должны вызывать изобразительное пространство не традиционным способом, моделируя форму с использованием атмосферной перспективы, а используя контрасты цвета, формы и поверхности. Только так художник мог остаться верным двумерному способу, которым холст показывает работу зрителю. Эти противоречия между формой и цветом имели решающее значение для успеха картины, полагал Гофманн, и называли их «выталкивать и тянуть» на картине.

Хотя идея Гофманна основывалась на эстетике, на понятие «толкни и потяни» мог повлиять американский художник-модернист Джон Мартин. В 1913 году он написал: «[Нью-Йорк] состоит из сил, [которые] работают, толкая, тянув, вбок, вниз, вверх… Я вижу большие силы в работе… большие здания и маленькие здания; воюют великие и малые ... пробуждаются чувства, которые вызывают у меня желание выразить реакцию этих "сил притяжения".

Еще одна из великих идей Гофмана - его теории об основных законах живописи. В 1932 году он пишет… «Картина в целом обладает основами. Высший закон живописи таков: сущность плоскости картины должна быть сохранена. Эта сущность является ее существенной двумерностью... этот закон означает сразу: Картина плоскости должна достигать трехмерного эффекта (в отличие от иллюзии) посредством творческого процесса». Гофманн мало заботился о каких-либо визуальных хитростях или оптических иллюзиях в живописи - он полагал, что такие устройства бросают вызов чистоте творческого акта на холсте. Он считал, что, поскольку холст по своей природе является плоской поверхностью, его следует рассматривать как таковой. Применить к нему что-либо, кроме краски, было в некотором смысле обманом вида искусства.

Hans Hofmann, Song of the Nightingale, 1964

Гофманн сформулировал еще несколько правил рисования, все, из которых основывались на марксистском убеждении, что художник сформирован и обусловлен историческими обстоятельствами, которые его окружают, и может достичь только того, что позволят эти обстоятельства. Однако, прежде всего, Гофманн считал, что значение произведения искусства должно быть важным для создателя. Он также полагал, что историческое и/ или политическое содержание является посягательством на чистоту самого искусства. А что касается необходимости говорить с одним историческим моментом, Гофманн однажды добавил свое предостережение в конце жизни, обращаясь к некоторым художникам: «Вы принадлежите определенному времени. Вы сами - результат времени. Вы - создатель этого время.»