Les couleurs Zipper de Barnett Newman

ArtWizard, 02.12.2019

"Un peintre est un chorégraphe de l'espace"

Barnett Newman, peintre et théoricien, est l’un des artistes les plus intellectuels de la New York School. Il est considéré comme l'une des figures majeures de l'expressionnisme abstrait et l'un des plus importants peintres utilisant des couleurs monochromes. Ses peintures ont un contenu et un ton existentiels, explicitement composées dans le but de communiquer un sentiment de localité, de présence et de contingence.

Newman est généralement considéré comme un expressionniste abstrait en raison de son travail à New York dans les années 1950, de son association avec d'autres artistes du groupe et de l'élaboration d'un style abstrait qui ne doit que peu ou pas rien à l'art européen. Cependant, son rejet du pinceau expressif employé par d’autres expressionnistes abstraits, tels que Clyfford Still et Mark Rothko, et son utilisation de zones de couleur plate et à bords nets, peuvent être considérés comme très proches des œuvres minimalistes d’artistes tels que Frank Stella.

Newman pensait que le monde moderne avait rendu les sujets et les styles traditionnels de l'art invalides, en particulier dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, assombries par les conflits, la peur et la tragédie. Newman a écrit: "les anciennes normes de la beauté importaient peu: le sublime était tout ce qui convenait, une expérience d'énormité qui pourrait sortir l'humanité moderne de sa torpeur".

L'artiste est né et a grandi à New York et sa famille était composée d'immigrés juifs polonais. Newman s'intéressa à la peinture au lycée. En parallèle avec l'éducation artistique a reçu un diplôme en philosophie. Après avoir obtenu son diplôme, il travailla dans divers domaines. En 1940, il abandonna complètement la peinture pendant quatre ans pour se consacrer à l’étude de l’ornithologie. Plus tard, Newman a détruit tous ses premiers travaux. Les peintures mûres présentant des lignes verticales et horizontales au début ont été perçues négativement par le public et les critiques et Newman n'a été reconnu que dans les dernières années de sa vie.

Son approche de la création artistique a été façonnée par ses études de philosophie au City College de New York et par son activisme politique. En 1933, il se porta candidat au poste de maire de sa ville avec une plate-forme culturelle pour inscrire un billet écrit. Il conserva une conscience aiguë des problèmes politiques tels que le nazisme et la bombe atomique. Pour lui, l'art était un acte de création personnelle et une déclaration de liberté politique, intellectuelle et individuelle. Maître des mots, il avait un jour plaisanté: «l’esthétique est pour les artistes comme l’ornithologie est pour les oiseaux.» La carrière artistique de Newman a été tardive et a commencé par à-coups. Il avait environ 30 ans quand il a commencé à peindre, après avoir passé la décennie précédente à enseigner, écrire, étudier et travailler dans le magasin de vêtements pour hommes de son père. Il estima qu'une grande partie de son travail initial était indigne de considération et le détruisit. Ce n'est qu'en 1944 qu'il considère son travail mature.

Les images de Newman constituaient une rupture décisive avec l'abstraction gestuelle de ses pairs. Au lieu de cela, il conçut une approche qui évitait de peindre les oppositions classiques de la figure et du sol. Il a créé un symbole, le "zip", qui pourrait atteindre et invoquer le spectateur qui se tient devant lui - le spectateur a tiré avec l'étincelle de la vie.

En 1948, avec l'achèvement d'un tableau intitulé «Onement I», Newman retrouva la voix. C’est dans cet ouvrage qu’il a trouvé ce qui allait devenir le motif de la signature de toutes ses peintures: une bande verticale reliant les marges supérieure et inférieure de la peinture qu’il a qualifiée de «zip». Ses zips traversent des champs de couleur dans des compositions de rechange qui ont incité les critiques à le décrire comme un peintre «champ de couleur» et minimaliste. Newman, cependant, a maintenu sa propre opinion de ses œuvres abstraites. Affirmant qu'il cherchait «à partir de zéro, à peindre comme si la peinture n'avait jamais existé auparavant», il considérait ses compositions comme des formes de pensée, des expressions de l'expérience universelle d'être vivant et individuel.

Barnett Newman, Onement I, 1948

Barnett Newman, The Wild, 1950

Bien que les peintures de Newman semblent être purement abstraites et que beaucoup d’entre elles étaient à l’origine sans titre, les noms qu’il leur a donnés plus tard font allusion à des sujets spécifiques abordés, souvent sur un thème juif. Deux peintures du début des années 1950, par exemple, sont appelées «Adam et Eve». D'autres exemples sont «Uriel», 1954 et «Abraham», 1949, une peinture très sombre qui, en plus du nom d'un patriarche biblique, était également le nom du père de Newman, décédé en 1947.

Dans les meilleures peintures de Newman, telles que «Cathedra» 1950-1951 et «Vir heroicus sublimis» 1950-1951, l’imagerie consiste en un seul champ de couleur qui est infléchi par une ou deux minces bandes verticales. Mais la peinture est appliquée avec des coups de pinceau légers et plumeux qui se mélangent doucement et ne permettent nulle part la moindre sensation de pigmentation tactile. Son riche espace pictural est créé par les densités variables d'une couleur particulière plutôt que par des lignes ou des formes discrètes. En ce sens, ses peintures sont purement optiques et échappent aux valeurs de perception d'objets ou d'espaces dans le monde en dehors de la peinture.

Barnett Newman, Cathedra, 1957 (gallery view)

Barnett Newman,  Vir heroicus sublimis, 1950-51, (gallery view)

La série de peintures en noir et blanc «Les stations de la croix» (1958-1966), commencée peu de temps après le rétablissement de Newman après une crise cardiaque, est considérée comme le summum de ses réalisations. La série est sous-titrée "Lema sabachthani" - "Pourquoi m'as-tu abandonné" - les dernières paroles prononcées par Jésus sur la croix, selon le Nouveau Testament. Newman considérait ces mots comme ayant une signification universelle à son époque.

Les dernières œuvres de Newman, telles que la série intitulée «Qui a peur du rouge, du jaune et du bleu», utilisent des couleurs vives et pures, souvent sur de très grandes toiles. Par exemple, «Anna's Light», 1968, a été nommée en mémoire de sa mère, décédée en 1965, et constitue son œuvre la plus importante, mesurant 8,5 mètres de large sur 2,7 mètres de haut.

Plus tard, Newman a expérimenté des toiles en forme qui mènent à son travail intitulé «Chartres» 1969, qui est triangulaire. Ces peintures ultérieures sont exécutées à la peinture acrylique et non à la peinture à l'huile comme dans ses travaux antérieurs. Bien qu'il se concentre principalement sur la peinture, Newman a également fait de la sculpture. Au cours de cette période, Newman est également revenu à la sculpture, fabriquant un petit nombre de pièces élégantes en acier. «L’obélisque cassé», 1963, est l’œuvre la plus monumentale et la plus connue de Newman. Elle décrit un obélisque inversé dont la pointe est située au sommet d’une pyramide. Outre les sculptures, Newman a également réalisé une série très intéressante de lithographies, les «18 cantos», 1963-1964, qui, selon Newman, se veulent évocatrices de la musique.

Barnett Newman, Canto V (from 18 Cantos), 1963-64

Barnett Newman, Canto VII (from 18 Cantos), 1963-64

Barnett Newman, Canto XIV (from 18 Cantos), 1963-64

Outre son style et son travail très avant-gardistes, ce n’est que vers les années 1960, au cours de la dernière décennie de sa vie, que l’artiste a été acclamé par le public pour son travail. Son indépendance anarchique et sa position sans compromis ont peut-être contribué à sa lente acceptation, mais ces forces profondes en lui ont également façonné son art. Réfléchissant sur son travail vers la fin de sa vie, il a déclaré: «Une de ses implications est son affirmation de la liberté… si (il était lu) correctement, cela signifierait la fin de tout capitalisme d’État et de totalitarisme.