Edvard Munch. The Scream!

ArtWizard, 29.07.2019

La crise de la conscience moderne chez Edvard Munch

L’anxiété peut inciter à la créativité, comme le montrent les œuvres d’Edvard. Celui de Munch reflète la crise de la conscience moderne avec encore plus d'intensité. Les expériences personnelles de nature dépressive correspondaient à l'humeur pessimiste de l'époque.

Munch était un peintre norvégien. La maladie, le deuil et la crainte d’hériter d’une maladie mentale qui régnait dans sa famille ont éclos au début de sa vie. Sa peinture, The Scream est devenue l'une des images les plus emblématiques du monde de l'art. À la fin du XXe siècle, Minch joua un grand rôle dans l'expressionnisme allemand et dans la forme d'art qui s'ensuivit, notamment à cause de la forte angoisse mentale qui se manifestait dans nombre de ses créations.

Déjà enfant, Munch était confronté à la mort qui ferme inévitablement le cycle de la vie. Il n'avait que cinq ans lorsqu'il a perdu sa mère de la tuberculose. Une sœur est décédée peu de temps après et une troisième est devenue folle. Le père d’Edvard, un homme mélancolique, était un médecin qui traitait les pauvres d’Oslo. La misère était donc un invité permanent dans la famille Munch. Le père de Munch souffrait d'une maladie mentale, ce qui a joué un rôle dans la manière dont lui et ses frères et sœurs ont été élevés. Leur père les a élevés avec la crainte de problèmes profonds, ce qui explique en partie pourquoi le travail d'Edvard Munch a pris un ton plus profond et pourquoi l'artiste était connu pour avoir autant d'émotions réprimées en grandissant. Munch donne à By The Death Bed et Death in the Sickroom une distribution universelle en ne décrivant pas spécifiquement ce dont il a été témoin. Plusieurs versions de The Sick Child sont sûrement sa soeur.

Le jeune homme sensible craignait de succomber au destin familial, quand une tante a suggéré que la peinture serait un bon moyen d’éviter ses pensées à des idées aussi dépressives. Elle lui a ainsi montré le moyen d'exprimer son angoisse d'oppression. On ne peut nier que le caractère artistique unique de Munch, qui a fait de son travail un pionnier de la peinture moderne, était étroitement lié à sa situation personnelle. Pour confirmation, il nous suffit de comparer les œuvres de ses débuts, jusqu'en 1908, avec celles qu'il a peintes après que le médecin danois, le docteur Daniel Jacobson, l'ait guéri dans une clinique de Copenhague des obsessions qui avaient conduit à une crise nerveuse presque fatale. panne. Soudain, ses peintures ne montraient plus de jeunes filles désespérées au Jour d'après, pas d'hommes paniqués, pas d'enfants malades, pas de morts et de mourants, pas de paysages menaçants et sinistres. Munch avait recouvré sa santé et sa capacité à faire face à la vie, mais son pouvoir retrouvé entraînait également une perte de vision hallucinatoire et de sensibilité nerveuse.

Après la transformation de sa vie en santé, Munch a commencé à mener une vie de bohème sous l'influence du nihiliste Hans Jaeger, qui l'a exhorté à peindre son propre état émotionnel et psychologique («peinture d'âme»). Son association avec Hans Jaeger, un écrivain qui a choqué les bons citoyens d’Oslo avec un roman si sexuellement explicite qu’il a été rapidement interdit, a permis à Munch de rencontrer la scène bohémienne d’Oslo. Les artistes qui s'y trouvaient s'étaient éloignés autant de la bourgeoisie auto-satisfaite qu'à Paris et ils protestaient contre la commercialisation de la société industrielle dans un style de vie aussi non conventionnel que possible.

De là émergerait tout à l'heure son style distinctif. Les voyages ont apporté de nouvelles influences et de nouveaux débouchés. À Paris, il a beaucoup appris de Paul Gauguin, Vincent van Gogh et Toulouse Lautrec, notamment en ce qui concerne l'utilisation de la couleur. À Berlin, il rencontre le dramaturge suédois August Strindberg, qu'il peint, alors qu'il se lance dans son grand canon, La Frise de la vie, décrivant une série de thèmes profondément ressentis tels que l'amour, l'anxiété, la jalousie et la trahison, imprégnés d'atmosphère.

De 1892 à 1908 environ, Munch partage la majeure partie de son temps entre Paris et Berlin. C'est en 1909 qu'il décida de retourner dans sa ville natale et de retourner en Norvège.

Au cours de cette période, une grande partie du travail créé par Edvard Munch témoigne de son intérêt pour la nature. Il a également été noté que les tons et les couleurs qu’il utilisait dans ces pièces ajoutaient plus de couleur et semblaient un peu plus gais que la plupart des œuvres qu'il avait créées précédemment. C'est toutefois lorsque l'artiste rentre en Norvège, dans sa ville natale, Christiania, qui fait partie d'Oslo, que son œuvre légendaire, The Scream, a été conçue.

Selon Munch, il se promenait au coucher du soleil lorsqu'il a «entendu l'énorme cri infini de la nature». Ce visage angoissé est largement identifié à l'angoisse de l'homme moderne. The Scream est essentiellement autobiographique, une construction expressionniste basée sur l'expérience réelle de Munch d'un cri perçant à travers la nature lors d'une promenade, après que ses deux compagnons, vus de l'arrière-plan, l'aient quitté. Convenant que le son devait avoir été entendu à un moment où son esprit était dans un état anormal, Munch le reproduit dans un style qui, poussé à l'extrême, peut détruire l'intégrité humaine.

À partir de ce moment-là, et avec cette peinture, Munch a inclus des éléments Art nouveau dans de nombreuses images, mais généralement de manière limitée ou modifiée. Ici, cependant, en décrivant sa propre expérience morbide, il a lâché prise et laissé la figure de premier plan se déformer par le flux subjectivisé de la nature. The Scream pourrait être interprété comme exprimant l'agonie de l'effacement de la personnalité humaine par cette force unificatrice.

Entre 1893 et 1910, il réalise deux versions peintes et deux au pastel, ainsi qu'un certain nombre de tirages. L'un des pastels finirait par imposer le quatrième prix nominal le plus élevé payé pour une peinture aux enchères. La version pastel-à-bord du tableau de 1895 a été vendue chez Sotheby's au montant record de 120 millions de dollars américains aux enchères le 2 mai 2012. Il a récemment été révélé qui était le véritable propriétaire du tableau, un banquier quelque peu millionnaire nommé Leon Noir.

À mesure que sa renommée et sa richesse grandissaient, l'état émotionnel de l'artiste demeurait aussi peu sûr que jamais. Il a brièvement envisagé le mariage, mais n'a pas pu se commettre. Une rupture en 1908 l’oblige à renoncer à l’abus d’alcool, et il se réjouit de son acceptation croissante de la population de Christiania et de sa visibilité dans les musées de la ville. Ses dernières années ont été passées à travailler dans la paix et la vie privée. Bien que ses œuvres aient été interdites dans l'Allemagne nazie, la plupart d'entre elles ont survécu à la Seconde Guerre mondiale, lui assurant un héritage sûr.

La majorité des œuvres créées par Edvard Munch étaient appelées le style Symbolisme. 

De nombreuses œuvres de Munch décrivent des scènes de vie et de mort, l'amour et la terreur, et le sentiment de solitude était souvent un sentiment sur lequel les téléspectateurs remarquaient que ses modèles de travail étaient centrés. Ces émotions étaient illustrées par les lignes contrastées, les couleurs plus sombres, les blocs de couleurs, les tons sombres et une forme concise et exagérée qui décrivait le côté le plus sombre de l’art qu’il était en train de concevoir.