Recherche dans ArtWizard

Les femmes artistes les plus chères et les plus influentes

Les femmes artistes les plus chères et les plus influentes

ArtWizard 13.01.2020

 

Derrière chaque artiste masculin, une femme se voit refuser sa juste part d'acclamations. Après réflexion dans l'histoire des mouvements artistiques qu'ils ont contribué à créer, empêchés de se déplacer librement dans les illustres cercles sociaux et institutions ouverts à leurs homologues masculins, et ne trouvant souvent que le succès financier qu'ils méritent à titre posthume, ce sont les incroyables artistes femmes vivant et morts qui ont aujourd'hui taillé leur place dans les maisons de ventes aux enchères les plus prestigieuses et les plus chères du monde.

 

Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Connue comme la «Mère du modernisme américain, Georgia O’Keeffe est l’une des représentantes les plus éminentes de cette liste. Sa peinture Jimson Weed / White Flower no. 1, achevée en 1932, vendue aux enchères de Sotheby’s à New York en 2014 pour un montant de 44,4 millions de dollars US. O'Keeffe était particulièrement connue pour ses peintures de fleurs agrandies, influencées par la forme et le style évolutifs des photographes modernistes américains, mais a également consacré une grande partie de son attention à capturer la beauté unique du paysage du nord du Nouveau-Mexique - une destination de voyage préférée et éventuellement adopté à la maison. Profondément en phase avec le monde naturel, les œuvres d'O’Keeffe ont utilisé une approche musicale, émotionnelle et hyper-sensible de la manière dont la couleur et la forme jouent les unes avec les autres.

 

 

Georgia O’Keeffe, Jimson Weed/White Flower No. 1, 1932

 

 

Georgia O'Keeffe, Abstraction Blue, 1927

 

 

Louise Bourgeois (1911-2010)

Bien que le «féminin» ait pu faire l’objet d’une grande partie du travail de la sculpteure française Louise Bourgeois, produisant une variété de sculptures sexuellement explicites représentant la forme féminine tout au long de sa carrière, elle a toujours résisté à l’idée qu’elle était une artiste féministe. Néanmoins, au cours des années 1970, Bourgeois s'est impliqué avec un groupe de militantes féministes du nom de Fight Censorship Group, contestant la censure restrictive des images sexuellement explicites. Son travail ultérieur, qu'elle a continué à produire jusqu'à sa mort en 2010 à l'âge de 98 ans, a défendu les droits de la communauté LGBTQ. Les œuvres les plus célèbres de Bourgeois - et celles qui l'ont mise sur cette liste - sont ses sculptures d'araignées géantes (nommées Maman), moulées pour la première fois en 1997 et reproduites dans diverses éditions et une variété de matériaux les années suivantes, la plus petite ornant une broche en argent et le plus grand standing à 30 pieds. Bourgeois a affirmé que sa fixation avec les arachnides représentait sa relation avec sa mère. Une version en bronze vendue chez Christie’s pour 28,2 millions de dollars en 2015.

 

Louise Bourgeois, Maman, 1999

 

 

 

Joan Mitchell (1925-1992)

L'artiste originaire de Chicago, Joan Mitchell, arrive en tête de liste en termes de valeur globale de son œuvre, ses peintures ayant acquis 286 millions de dollars entre 2005 et 2015. Elle a également vendu plus de 3000 œuvres, soit plus de 2500 pièces de plus que Cindy. Sherman - la deuxième artiste féminine la mieux classée en volume. Née en 1925, Mitchell était une figure de proue de la deuxième génération des expressionnistes abstraits américains, et l'une des rares femmes actives à l'école interdisciplinaire de New York dans les années 1950. Particulièrement influencées par le style et la sensibilité de Van Gaugh dans ses premières années, les peintures de Mitchell se caractérisent par des coups de pinceau énergiques, une utilisation vivante de la couleur et une approche très émotionnelle et expressive de son art. Son tableau Untitled de 1960 s'est vendu à près de 12 millions de dollars en 2014.

 

 

Joan Mitchell, Untitled, 1960

 

 

Joan Mitchell, Before, Again III, 1980

 

 

Berthe Morisot (1841-1895)

Berthe Morisot était une peintre impressionniste française et, avec sa sœur Edma, un talent très respecté parmi les milieux artistiques parisiens, malgré le fait que leur sexe les empêchait de rejoindre les institutions artistiques officielles. Un tiers des «Trois grandes dames» du critique d'art Gustave Geffroy, elle a fait sa première exposition publique au très apprécié Salon de Paris. Au cours de sa vie, Morisot a vendu plusieurs grands noms du mouvement impressionniste, y compris Monet et Renoir, et a exposé avec les impressionnistes chaque année, sauf un à partir de 1874. Ses peintures représentent des sujets de la vie domestique dans la société française de la haute société ainsi que des natures mortes et des paysages ruraux. Après le déjeuner, peinte en 1881 et vendue pour 11 millions de dollars en 2013, est son œuvre de plus grande valeur.

 

 

Berthe Morisot, Après le déjeuner, 1881

 

Berthe Morisot, Dans la véranda, 1884

 

  

Natalia Sergeevna Goncharova (1881-1962)

L'artiste d'avant-garde russe Natalia Sergeevna Goncharova était une véritable polyvalente. Artiste, peintre, costumier, écrivain, illustrateur et décorateur, Goncharova est un membre fondateur de l'école d'artistes Jack of Diamonds créée à Moscou en 1910. L'un des groupes les plus importants et les plus influents de la scène de l'avant-garde russe, Jack of Diamonds a été formé pour contester la cliqueté perçue de la scène artistique russe après l'expulsion de plusieurs artistes de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou pour émuler le style occidental contemporain. Démontrant une fascination pour le primitivisme ethnique russe et l'art populaire au début de sa carrière - qui se mélangeait parfaitement avec sa sensibilité anti-urbaine et rurale - Goncharova allait devenir plus tard une pionnière du mouvement futuriste russe innovant. En 2007, Goncarova est devenue brièvement la femme artiste la plus chère du monde, après que sa peinture de 1909, Picking Apples, se soit vendue pour un record de 9,8 millions de dollars, les Fleurs se vendant 10,8 millions de dollars en 2008.

 

 

Natalia Goncharova, Picking Apples, 1909

 

 

Agnes Martin (1912-2004)

L'artiste canado-américaine Agnes Martin était une figure éminente et l'une des rares femmes du mouvement d'abstraction à prédominance masculine. Comme Georgia O'Keeffe, Martin s'est installée de façon permanente au Nouveau-Mexique, son travail s'inspirant clairement de l'environnement de l'État - à travers son travail qui en résulte est très différent des peintures vives et colorées de la première, choisissant plutôt de canaliser son inspiration dans de subtils, délavages délicats et tamisés. Ayant travaillé exclusivement en brun, noir et blanc avant son déménagement au Nouveau-Mexique, il ne fait aucun doute sur le rôle joué par le paysage désertique unique et mystique sur son œuvre. Martin est connue pour ses peintures carrées remplies de grilles pâles et de lignes répétées, avec sa peinture Orange Grove vendue pour 10,7 millions USD plus tôt cette année.

 

 

Agnes Martin, Orange Grove, 1965

 

 

Agnes Martin, Untitled, 1993

 

 

Cady Noland (né en 1956)

«The American Nightmare» est le sujet autoproclamé du sculpteur postmoderne américain Cady Noland. Noland utilise son médium pour lancer des attaques cinglantes contre la culture américaine contemporaine - que ce soit l'obsession des célébrités, le glamour ou la fixation à la violence - commentant ce qu'elle perçoit comme l'identité sociale fragmentée de l'Amérique aujourd'hui. La sculpture de Noland en 1989, Bluewald, qui explore l'assassinat de John F.Kennedy et le meurtre subséquent de son assassin, Lee Harvey Oswald, a été vendue en 2015 pour 8 millions de dollars, ce qui lui a valu une place en tant que seule artiste vivante sur cette liste. Il se compose d'une image d'Oswald dans ses moments mourants soufflés et imprimés sur de l'aluminium, criblé de trous de balles agrandis et d'un drapeau américain en coton fourré dans sa bouche.

 

 

Cady Noland, Bluewald, 1989

 

Cady Noland, Four in One Sculpture, 1998

 

  

Tamara de Lempicka (1898-1980)

La peintre polonaise Art Déco Tamara de Lempicka est souvent présentée comme «la première femme artiste à être une star glamour». Le glamour a certainement joué un rôle de premier plan dans la plupart de ses peintures, l'artiste peignant souvent des mondains et des membres de la famille royale à travers l'Europe et l'Amérique du Nord, devenant un artiste préféré à Hollywood. Réfugiée de la Première Guerre mondiale, Lempicka a développé une approche sensuelle du doux cubisme tout en luttant pour gagner sa vie à Paris. Lempicka a pleinement embrassé l'esprit des années 1920, adoptant un style de vie bohème, se mélangeant à des artistes tels que Pablo Picasso et rejetant les mœurs sociales afin d'embrasser sans honte sa bisexualité. Le rêve de Lempicka (Rafaëla sur fond vert) s'est vendu pour 8,4 millions de dollars en 2011, le peintre comptant certains des noms les plus célèbres d'aujourd'hui parmi ses fidèles collectionneurs, dont Madonna, Jack Nicholson et Barbara Streisand.

 

 

Tamara de Lempicka, Le Rêve (Rafaëla Sur Fond Vert), 1927

 

 

Tamara de Lempicka,  Idylle (Le Départ), 1931

 

 

 

Frida Kahlo (1907-1954)

Dans un commentaire incroyablement révélateur sur la nature eurocentrique du marché de l'art, la peintre mexicaine Frida Kahlo est la seule non occidentale et non russe à figurer sur cette liste. Malgré un déménagement aux États-Unis au début de son âge adulte, Kahlo ne renoncerait jamais à son emprise sur sa culture et son héritage mexicains, luttant pour s'adapter à la vie américaine - les couleurs vives et le symbolisme associé à l'art traditionnel mexicain se retrouvent de manière cohérente tout au long de son travail. Kahlo était également très actif politiquement et communiste engagé. Kahlo est célébrée dans le monde entier par des féministes à la lumière de son exploration persistante de la forme féminine et de sa représentation à travers ses nombreux autoportraits introspectifs, ainsi que son interrogation graphique du système reproducteur féminin à la lumière de sa propre infertilité. Sa peinture Dos Desnudos en el Bosque (La Tierra Misma) s'est vendue 8 millions de dollars.

 

 

Frida Kahlo, Dos desnudos en el bosque (La tierra misma), 1939

 

 

 

Emma Hopkins (né en 1989)

Se concentrant presque exclusivement sur les portraits nus et les études de la chair humaine, Emma Hopkins s'est tournée vers la peinture de portraits après avoir obtenu un diplôme en maquillage et prothèses pour la performance de l'Université des Arts de Londres, où elle s'est formée à la conception et à la fabrication de prothèses. parties du corps pour le théâtre, le cinéma et la télévision. Elle devient rapidement l'une des femmes artistes influentes de ce siècle
Né à Brighton en 1989, Hopkins est fasciné par les thèmes de l'anatomie, de la psychologie et de la mortalité, citant Egon Schiele, Frida Kahlo et Paul McCarthy comme influences. Elle s’efforce de «peindre les gens de l’intérieur vers l’extérieur» afin de découvrir les relations que nous entretenons avec notre corps, notre esprit et nos émotions.
Utilisant une variété de matériaux pour créer de multiples interprétations de ses modèles, le travail progresse d'études intuitives qui vacillent sur les bords de l'abstraction et du surréalisme à des peintures à l'huile chargées d'émotion qui sont de style sculptural et clinique en détail.
Hopkins est un peintre figuratif rafraîchissant et explorateur. Utilisant une palette lourde de rouge, symbolique comme la couleur vivifiante du sang, son travail est une expression sans équivoque de la sexualité, de l'autonomisation et de l'émotion. Le recadrage fragmenté de ses compositions augmente le drame et la tension de ses sujets.

 

 

Emma Hopkins, Defense Mechanisms