Comment observer les peintures – regarder de plus près la forme, le support, le médium ou les matériaux…

ArtWizard 15.06.2020

ArtWizard présente une série d'articles sur les principes de base de l'observation des peintures. Cette semaine, nous présentons comment la netteté, le support et les matériaux dans les peintures jouent un rôle dans l'expression du point de vue de l'artiste qui les crée. 

Pour être bon dans l'observation des peintures, un collectionneur doit comprendre l'importance de la forme, du support et des matériaux quant au résultat final d'une œuvre d'art. Les artistes peignent sur tous les types de surfaces (supports) et dans les différents mouvements artistiques et à différentes époques, il y a eu différents supports que les artistes ont le plus utilisés. Il y a ou bien sûr certaines formes standard qui sont restées quel que soit le moment ou le mouvement artistique - les portraits qui sont dans la plupart des cas verticaux, les paysages et les mortes-nature qui sont dans la plupart des cas à la surface d'un paysage et parfois sur un cercle ou un ovale. La forme des peintures a été déterminée presque toujours par le sujet choisi par l'artiste. Les supports ont souvent été en bois, en lin ou en toile, ce qui définit dans certains cas aussi le résultat de ce que l'artiste voulait réaliser.

Certains artistes ont expérimenté des formes et des formes, ainsi que des toiles et des surfaces de support. Par exemple, des miniatures étaient portées autour du cou des femmes ou sur des bandeaux comme insignes de fidélité et signes de dévotion au 16ème siècle. Le peintre Nicholas Hilliard a maîtrisé le métier de joaillier, utilisant de vrais matériaux d'or et d'argent pour la décoration de ses portraits miniatures. Dans son Portrait d'un jeune homme utilisant un velum posé sur une carte, le col en dentelle du portrait est peint de façon épaisse, et ce type d'art était connu sous le nom de « taillage ».

Nicholas Hilliard, Portrait of a Young Man, 1588

Une autre expérience intéressante que nous pouvons observer si nous regardons la peinture Vanitas, de Cornelius Gysbrechts, bien que comme support et matériaux, il ait utilisé l'huile standard sur toile. Cependant, l’artiste est connu comme un « maître du trompe l’œil » et dans ce tableau il vient de se moquer. L'œuvre d'art a la forme d'un portrait, le sujet étant une nature morte très sombre, il semble néanmoins qu'il ait été peint du mauvais côté de la toile et révélant le cadre arrière contenant même quelques taches pour une perception réaliste que l'artiste voulait montrer. Le jeu avec les formes et les formes de cette peinture fait partie de son caractère unique et de son charme. Sur le côté gauche, nous pouvons même voir une autre petite peinture, cette fois de forme ovale bien qu'il s'agisse d'un portrait. Les différentes formes ont été utilisées par des artistes à des fins diverses.

Cornelis Norbertus Gysbrechts, Vanitas (Nature morte - trompe-l'œil), 1664

Cependant, comme parfois même de grands paysages ont été peints en utilisant une forme ovale verticale afin d'illustrer différentes parties de l'histoire qui y a été racontée. C'est le cas du tableau Le Miracle de la Sainte Maison de Lorette de Giovanni Battista Tiepolo. La peinture utilise à nouveau le support et les matériaux standard - huile sur toile, mais ce qui est intéressant c'est que cette peinture était en fait une étude pour une fresque pour l'église de Venise Scalzi, qui ne peut plus être vue. La forme ovale est habilement utilisée pour raconter l'histoire des « pécheurs terrestres » qui se tiennent au bas de l'ovale et monte vers le haut pour montrer aux saints et aux anges qui se tiennent au-dessus de la terre et à ses habitants pour aller à sa partie la plus élevée (le haut de l'ovale), montrant les images de Dieu et du Saint-Esprit.

Giovanni Battista Tiepolo, The Miracle of the Holy House of Loretto, 1743

Ce qui peut être observé même depuis les temps anciens, c'est que différents supports et formes sont utilisés pour raconter des histoires spécifiques. Il est intéressant de voir que les choses n'ont pas beaucoup changé dans l'art contemporain. Nous voyons des exemples comment les formes des supports et des matériaux et parler pour eux-mêmes une grande partie du langage des œuvres d'art. C'est très vrai par exemple pour l'œuvre Morning Choice d'Anne Truitt, où le support et la matière sont tout ce que l'œuvre d'art a à dire sur elle-même, en acrylique sur contreplaqué marin. Les couleurs et la forme de cette œuvre sont l'essence même de ce que l'artiste a voulu exprimer avec elle, oscillant entre peinture et sculpture aux couleurs vives et provocantes, ne parlant d'elle-même que par sa forme et ses matériaux.

Anne Truitt, Morning Choice, 1968

L'importance de la forme et de la matière est également utilisée pour parler d'elle-même dans l'art conceptuel. L'un des meilleurs exemples de cela est le travail de Lucio Fontana nommé Spatial Concept, basé sur une toile et une gaze tranchée. Attaquant l'illusion de la peinture, la fente agressive coupe littéralement la matière, révélant au spectateur la texture de la toile de lin. Un autre exemple très célèbre de la façon dont le matériau ajoute au concept d'une œuvre d'art sont les bonbons de Felix Gonzalez-Torres. Lors d'une des premières expositions de son travail conceptuel, les spectateurs sont invités à prendre des bonbons dans la pile exposée, afin de voir comment le corps d’âme sœur de Félix disparaissait suite à sa maladie terminale. C'est l'une des œuvres conceptuelles les plus puissantes utilisant des matériaux spéciaux pour parler d'elle-même - dans le cas de Felix Gonzales - ce sont les bonbons qu'il a utilisés comme support de forme pour son travail conceptuel.

Felix Gonzalez-Torres, Untitled (Portrait of Ross in L.A.), 1991

Lucio Fontana, Spatial Concept, 1960

Dans notre prochain article, nous verrons comment les médiums jouent un rôle sur l'art.