David Hockney et la perspective brillante d'Hollywood

ArtWizard, 03.06.2019

Redécouvrant les techniques perdues des maîtres anciens tels que Johannes Vermeer, dans lequel il soutient de manière controversée que l'utilisation de supports optiques tels que la camera lucidaet la camera obscuraa été beaucoup plus répandue dans l'art Européen qu'on ne le pensait auparavant. David Hockney, né en 19 July 1937 est un peintre, dessinateur, graveur, photographe, designer et écrivain britannique, actif principalement aux États-Unis. En 1963, il a eu sa première exposition personnelle à la galerie Kasmin à Londres.

En 1964, Hockney a déménagé à Los Angeles. Cette année-là, une piscine est apparue pour la première fois dans la peinture séminale. Au cours des années suivantes, le portrait et la photographie occupèrent principalement l'artiste. Il développa un naturalisme intime et puissant à cette époque.

Après une brillante carrière au Royal College of Art, Hockney a connu un succès considérable à l'âge de vingt ans et a depuis consolidé sa position de loin le plus connu et le plus critique artiste Britannique acclamé de sa génération.

Son succès phénoménal repose non seulement sur son talent et sa polyvalence en tant qu’artiste, mais aussi sur sa personnalité colorée et attachante, qui en fait un personnage reconnaissable même pour les personnes qui ne s'intéressent pas particulièrement à l’art. En 1961, il devient l'un des artistes meilleurs du Pop Art Britannique lors de l'exposition Jeunes Contemporaines. L’artiste n’a pas beaucoup aimé être qualifié d’artiste «Pop», mais ses œuvres font souvent référence à la culture populaire, même si elles ne ressemblent pas beaucoup à son collègue en art contemporain de la guilde américaine. Néanmoins, ses œuvres utilisent des caractères ressemblant à des graffitis et sont souvent de mauvaise humeur. Sa première exposition rétrospective a eu lieu dès 1970 à la Whitechapel Art Gallery de Londres (elle a ensuite fait une tournée à Hanovre, à Rotterdam et à Belgrade). À cette époque, il peignait d'une manière plus lourde et plus traditionnelle, dans laquelle il réalisait une série de grands doubles portraits d'amis, dont les célèbres M. et Mme Clark et Percy (1970–1, Tate, Londres).

En tant que contributeur important au mouvement pop art des années 1960, il est considéré comme l'un des artistes britanniques les plus influents du XXe siècle. Hockney est propriétaire d'une maison et d'un studio à Bridlington et à Londres et de deux résidences en Californie, où il vit depuis 1964: une à Hollywood Hills, une à Malibu et un bureau et des archives sur Santa Monica Boulevard à West Hollywood, Californie. Les portraits qu’il réalise et les figures qu’il représente sont remarquables par leur sensation aérienne d’espace et de lumière, par la mise à plat subtile et la simplification des formes, ainsi que par le sens de la vie stylée qu’ils capturent. Hockney peint souvent les personnes et les lieux qu'il connaît le mieux (son art est souvent autobiographique) et a célébré de façon mémorable son histoire d'amour avec Los Angeles (il a visité la ville pour la première fois en 1963 et s'y est installé en 1978), notamment dans ses nombreuses peintures avec piscines (Un plus gros éclat, 1967, Tate, Londres). Le 15 novembre 2018, l'œuvre de 1972 de Hockney, Portrait d'un artiste (Pool with Two Figures), est vendue 90 millions de dollars à la vente aux enchères de Christie's à New York. Elle est devenue l'œuvre la plus chère d'un artiste vivant vendu aux enchères. Cela a battu le record précédent, établi par la vente en 2013 de Balloon Dog (Orange) de Jeff Koons pour 58,4 millions de dollars.

Dans ses œuvres, Hockney a habilement exploité les qualités de la peinture acrylique et s'est également distingué en tant que graphiste: son travail dans ce domaine comprend des illustrations gravées à l'eau-forte pour Cavafy's Poems (1967) et Six Contes de fées des frères Grimm (1969), ainsi autant de tirages individuels, souvent sur des thèmes homoérotiques. Dans les années 1970, il est également devenu scénographe, notamment avec ses décors et costumes pour The Rake's de Stravinsky et The Magic Flute de Mozart, produits à Glyndebourne en 1975 et 1978 respectivement. Le style plus large exigé par la scénographie a été reflété dans ses peintures de chevalet ultérieures. Dans les années 1980, il a beaucoup expérimenté la photographie, réalisant par exemple des collages photographiques dans lesquels de nombreux tirages sont transformés en une image composite en patchwork. Par la suite, il a également réalisé des peintures dans un style similaire, utilisant des toiles disposées en grille pour créer une grande image d'ensemble: le plus grand est Bigger Trees Near Warter (2007, Tate), peint en plein air près de son studio du Yorkshire, composé de 50 toiles dans un rectangle mesurant environ 4,5 m sur 12 m, il constitue son œuvre la plus monumentale. L'immense tableau devient immersif parce qu'il est impossible de le prendre d'un coup d'œil. Les yeux doivent scruter de long en large, de haut en bas, même en retrait. Marcher le long de l'image, parcourir le paysage et ajuster continuellement votre vision facilitent une expérience vécue dans le temps et dans l'espace. Cette exploration méticuleuse du temps et de l’espace unit cette exposition quelque peu disparate et visuellement accablante. Hockney affirme que la photographie ne sera jamais remplacée par la photographie, car les surfaces lisses et plates et les instants de temps figés ne représentent pas la réalité de ce que l'oeil constamment en train de voir voit. Hockney a abandonné la peinture pendant un certain temps au milieu des années soixante-dix pour se concentrer sur le dessin et l'imprimerie. Peu de peintures ont été produites au début des années quatre-vingt non plus, l'artiste préférant passer son temps à construire des collages à partir de photographies. Ces collages de photos ont récemment été exposés dans une rétrospective de la photographie de l'artiste au Museum of Contemporary Art de Los Angeles.

L'originalité de Hockney en tant que graveur était évident au moment où il produisit A ​​Rake's Progress, une série de 16 eaux-fortes conçues comme une version contemporaine et autobiographique du récit visuel de William Hogarth. Les nombreux travaux graphiques de Hockney, consacrés à la gravure à l'eau-forte et à la lithographie, lui assurent en soi une place importante dans l'art britannique et contemporain moderne.