Art conceptuel. Une idée peut-elle être une œuvre d'art?

ArtWizard, 30.07.2018

Lorsqu'un artiste utilise une forme conceptuelle d'art, cela signifie que le concept est l'aspect le plus important de l'œuvre et non l'objet fini. Cela fait principalement référence à un mouvement artistique américain et latino-américain des années soixante et soixante-dix, lorsque certains de ces artistes ont commencé à expérimenter leurs œuvres. Parmi les œuvres les plus connues de ce mouvement, on trouve les œuvres One and Three Chairs de Joseph Kosuth (1965). Il représentait une chaise dans trois formats différents: une chaise ordinaire, une photo d'une chaise et une définition du dictionnaire d'une «chaise».

En démontrant comment un objet peut différer de son sens et de son format en tant qu’objet, image et mots, l’artiste a montré comment une idée pouvait exister indépendamment de l’objet qu’elle représente et comment un sens pouvait être représenté sous différentes formes.

Dans une autre œuvre d'art, certains artistes conceptuels comme Sol LeWitt ont lancé une série de dessins muraux accompagnés d'instructions pour que d'autres puissent les exécuter. Étant donné que ces instructions pouvaient être exécutées par n’importe qui, n’importe où et à tout moment, les dessins sur les murs étaient différents en fonction de la personne qui les mettait en œuvre et de la forme de l’espace utilisé.

Un autre concept d'art célèbre et assez bien inventé a également été créé par Yoko Ono dans son Snow Piece, où elle a physiquement peint le tableau, mais elle a laissé aux téléspectateurs des instructions pour le lire. Elle a dit: “Pense que la neige tombe. Pensez que la neige tombe partout tout le temps. Quand vous parlez avec une personne, pensez que la neige tombe entre vous et la personne. Arrêtez la conversation lorsque vous pensez que la personne est recouverte de neige ».

Cette réévaluation des définitions acceptées de l'art et de la valeur qui y est attachée est apparue à une époque où les artistes cherchaient à contester l'autorité des institutions et du marché à l'époque. Cela signifiait que l'art n'était plus un objet pouvant être acheté et vendu. Il n'était plus nécessaire que l'art soit entièrement constitué d'objets pouvant être collectionnés à la maison, mais cela devenait une expérience personnelle, quelque chose qui a un sens différent pour les différents spectateurs et qui est ainsi unique et encore plus précieux. comme il ne peut pas être répété. Elle s’ouvrait ainsi à tout, des partitions musicales à la publicité, pour être considérées au même titre que la peinture et la sculpture. De cette manière, l'art est devenu beaucoup plus que l'objet que nous voyons, car la signification de cet objet, son expérience et ce qui lui est dévolu importaient en tant qu'art.

Un bel exemple de telles œuvres est la série de dix-neuf œuvres sans titre de l'artiste américain Felix Gonzales-Torres, connues sous le nom de Candy Spills. Il dépeignait une pile de 80 kilogrammes de bonbons durs enveloppés multicolores entassés au coin d'une pièce, en hommage à l'artiste partenaire qui souffrait d'une maladie liée au sida. Les visiteurs étaient autorisés à prendre des bonbons dans la pile exposée et chaque morceau de bonbon qu’ils emportaient leur rappelait la perte de poids de leur partenaire malade.

Un tel art conceptuel suscite le plus de controverse en raison du dernier concept en date, selon lequel même l'auteur peut ne pas être "entièrement" l'auteur de l'œuvre d'art entière, mais seulement son idée. C’est encore plus vrai sur le marché d’aujourd’hui où, après que Marcel Duchamp ait nommé un urinal en tant qu’œuvre d’art et réédité les éditions ultérieures de ses œuvres toutes faites, il a porté un coup dur à la notion collective de créativité artistique de l’Occident. Fidèle à ce modèle, "Paragraphs on Art Conceptual" de Sol Le Witt défend l'idée que l'œuvre ne doit pas nécessairement être entièrement "créée" par l'artiste. "Lorsqu'un artiste utilise une forme conceptuelle d'art, cela signifie que toute la planification et les décisions sont prises à l'avance et que l'exécution est une affaire superficielle. L'idée devient le moteur qui fait de l'art." Cette idée d'une exécution automatique ou semblable à une machine de l'idée d'art est très symptomatique du conceptualisme. Par exemple, dans «Follow Piece» (1969) de Vito Acconci, l’artiste a soumis sa vision à une force extérieure: les mouvements aléatoires d’étrangers qu’il suivait dans la rue jusqu’à leur disparition dans l’espace privé. Les paramètres du travail (le but et la méthode de documentation) ont été préalablement définis par Acconci, mais le chemin ainsi parcouru et les sujets (les personnes exactes, le nombre de photographies et les lieux spécifiques) ont été déterminés en fonction des décisions prises par des individus choisis au hasard. et étaient donc exemptés du concept de création artistique de Acconci.

Ce déni de l'artiste en tant que "maître" et créateur unique de l'œuvre se traduit également par de nombreuses œuvres auxquelles le nom de l'artiste est associé, mais où il / elle n'est pas le fabricant. Le Witt en particulier, décédé en 2007, a survécu à un certain nombre de croquis non réalisés d'œuvres d'art sculpturales et autres, qui sont encore souvent de nos jours par des équipes de fabricants et d'assistants, permettant ainsi la création de toutes nouvelles œuvres de Le Witt. même pendant que l'artiste est mort.

Une telle fabrication au nom de l'artiste fait écho aux pratiques antérieures de l'art moderne, en particulier en sculpture (le domaine d'Auguste Rodin est un exemple bien connu de production artistique posthume). Bien que la qualité d'auteur soit, à proprement parler, une composante des œuvres de Le Witt publiées à titre posthume, cette pratique va à l'encontre des notions traditionnelles d'artisanat et de maîtrise.