Gerhard Richter - l'artiste vivant le plus cher d'Europe (suite)
ArtWizard 01.02.2024
Suite de Gerhard Richter - l'artiste vivant le plus cher d'Europe
Photo de couverture de l'article © Courtesy de l'artiste et de la Fondation Louis Vuitton
À la fin des années 1970, un cycle d'œuvres abstraites colorées se développe, signées simplement Abstraktes Bild - 1, 2, 3, 4, 5. Pendant un certain temps, les gris et les bruns de la palette de l'artiste ont été remplacés par des couleurs vives et audacieuses sur différents motifs, textures, surfaces et dans une variété de techniques. Elles offrent une exploration vigoureuse de l'optique et de la perception, des plans, de la profondeur, de l'espace, de la forme, de la couleur et de la lumière. Il s'agit d'une étape importante dans l'œuvre de Richter, qui a jeté les bases de ses futurs travaux - des séries telles que Sindbad (1, 2, 3, 4), Aladin (1, 2, 3, 4) et Cage (1, 2, 3).
En 1971, dix ans après sa fuite vers l'Allemagne de l'Ouest et son arrivée à Düsseldorf, l'artiste de Dresde a été nommé professeur de peinture à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf / Staatliche Kunstakademie Düsseldorf. De 1973 à 1977, Isa Genzken a étudié dans la classe de peinture de Gerhard Richter, et de 1982 à 1993, le couple s'est marié.
Dans le premier dessin de l'exposition, Richter insère un crayon dans une perceuse pour tracer de fines lignes ondulantes. Le mouvement tourbillonnant crée des contours qui rappellent les fleurs, en particulier les pétales de rose. Ce dessin, différent du reste de l'œuvre de Richter de l'époque, est totalement abstrait et se concentre uniquement sur le tracé de la ligne. En remplaçant sa main par une perceuse qui trace la ligne sur le papier, l'artiste a privé l'œuvre de son écriture personnelle et a laissé toute l'action à la machine. Son attitude ambivalente à l'égard de l'artisanat et du « talent de dessinateur » artistique s'exprime ici avec force.
« Je n'ai jamais été un iconoclaste, sinon je ne peindrais pas de paysages, de portraits, etc. La rébellion est contraire à mon tempérament », déclare Gerhard Richter lors d'une conversation avec Götz Adriani en 2017. Rétrospectivement, 1972 s'avère être une année d'exposition intense et fructueuse pour l'artiste : son matériel photographique et ses sources ont été étiquetés Atlas. Pour le pavillon allemand de la 36e Biennale de Venise, il peint un cycle de 48 portraits (324/1-48) avec des images de personnes célèbres des deux siècles précédents - scientifiques, compositeurs, philosophes et écrivains - en utilisant des photographies d'encyclopédie comme matériau de base. Pour la première fois dans l'histoire de ce forum, un pavillon entier est consacré à un artiste. Il se consacre ensuite aux paysages marins dans le style du tableau Caspar David Friedrich - Das Eismeer. Parallèlement, il s'éloigne à nouveau de la peinture photographique en noir et blanc et tente de peindre des paysages avec des pinceaux très larges, dont les traces augmentent le degré d'abstraction des tableaux et sapent leur fonction représentative.
Gerhard Richter, 48 Portraits, 1972
Photo Credit: The official website of Gerhard Richter
Le détachement de Gerhard Richter vis-à-vis de la picturalité se confirme également dans les panneaux de couleur, qu'il reprend en 1973 et dans lesquels il répartit individuellement 180 tons de couleur mélangés à partir de trois couleurs primaires et de gris. D'une part, la grille rappelle les panneaux de couleurs de l'industrie de la peinture, d'autre part, l'artiste voulait que la distribution aléatoire soit perçue comme une réaction au sérieux des néo-constructivistes tels que Josef Albers.
« Pour pouvoir représenter toutes les nuances de couleurs d'un tableau, j'ai mis au point un système qui, à partir des trois couleurs primaires plus le gris, me permet de décomposer (différencier) les couleurs en étapes de plus en plus régulières. 4 x 4 = 16 x 4 = 64 x 4 = 256 x 4 = 1024. Le chiffre 4 comme multiplicateur était nécessaire parce que je voulais garder une proportion constante entre la taille de l'image, la taille du champ et le nombre de marges. L'utilisation de plus de 1024 tons de couleur (par exemple 4096) me semblait inutile, car dans ce cas, les différences d'un niveau de couleur à l'autre ne seraient plus perceptibles. La disposition des tons de couleur dans les marges se fait de manière aléatoire afin d'obtenir un effet global diffus et indifférent, alors que les détails peuvent être stimulants. La grille rigide empêche les figures d'émerger, bien qu'avec un peu d'effort elles deviennent visibles ». - déclare Gerhard Richter en 1974.
Au cours de l'été 1976, Richter se tourne à nouveau vers l'abstraction gestuelle et peint Konstruktion (389). Il s'engage ainsi dans une voie qui fait de lui, aujourd'hui encore, l'un des plus importants peintres abstraits. Ces œuvres se distinguent des abstractions des années 1980 par leur taille relativement petite. À partir de 1979, il utilise un grattoir pour créer ses abstractions, qui sont réalisées couche par couche sur une longue période, avec une dose d'aléatoire. « Laisser émerger quelque chose au lieu de le créer ». - dit Gerhard Richter en 1985.
Gerhard Richter, Konstruktion, 1976
Photo Credit: The official website of Gerhard Richter
À la fin des années 1980, Richter est devenu l'un des artistes les plus en vue en Allemagne et dans le monde. En 2002, le Museum of Modern Art de New York (MoMA) a organisé une grande rétrospective de son œuvre intitulée « Forty Years of Painting ». L'exposition comprenait 190 œuvres, ce qui en fait l'une des expositions les plus complètes consacrées à l'artiste à ce jour.
En 1982 et 1983, Gerhard Richter a travaillé sur des images de bougies et de crânes, qui sont devenues sa marque de fabrique au milieu des années 1980, en contraste avec ses peintures abstraites. Le groupe de rock américain Sonic Youth a finalement utilisé la peinture Kerze, 1983, pour la couverture de son album Daydream Nation, sorti en 1988. Les bougies et les flammes fragiles et picturales acquièrent un pouvoir presque mystique grâce à l'arrière-plan sombre et sont peintes d'une manière photoréaliste magistrale. L'artiste travaille souvent avec des métaphores, notamment la bougie allumée, qui symbolise la contemplation, l'éphémère et la mort. En ajoutant souvent un crâne à la bougie, il renforce l'association avec l'éphémère. « Mais le thème souvent utilisé de la bougie est également devenu un symbole politique dans le cadre de la commémoration du 50e anniversaire de la destruction de Dresde. Les bougies ont toujours été un symbole important pour la RDA en tant que manifestation silencieuse contre le régime », explique Gerhard Richter à propos de l'origine des peintures de bougies. À l'époque, il ne s'est pas rendu compte qu'une dimension populaire émergeait simultanément du contexte discursif. Cependant, Richter appelle cela « un effet secondaire agréable de la popularisation ».
Gerhard Richter, Kerze, 1983
Photo Credit: The official website of Gerhard Richter
Bien que la bougie allumée, peinte à la manière d'un vieux maître, soit encore aujourd'hui l'un des motifs les plus populaires de l'œuvre de Gerhard Richter, sa percée internationale s'est faite en 1984 avec de grandes abstractions. En 1986, la première rétrospective au Kunsthalle de Düsseldorf / Städtische Kunsthalle Düsseldorf a eu lieu, présentant la plus grande exposition de l'œuvre de l'artiste avec 133 pièces, et a voyagé à Berlin, Berne et Vienne. Le catalogue de l'exposition a été conçu comme le premier catalogue électronique de l'œuvre de l'artiste.
« Les œuvres d'art traditionnelles, dites anciennes, ne sont pas anciennes, mais modernes. Tant que nous les « avons » au sens le plus large du terme, elles ne deviendront jamais obsolètes, et nous ne mettrons pas à côté d'elles quelque chose qui les égale, les égale ou les surpasse en qualité. Leur présence constante en nécessite une autre, celle d'aujourd'hui, qui n'est ni meilleure ni pire, mais qui doit être différente, car c'est hier que l'Isenheimer Altara été écrit ». - déclare Gerhard Richter en 1983.
Le cycle de peintures en 15 parties 18. Oktober 1977 a été réalisé entre mars et novembre 1988 à l'occasion du suicide de membres de la FAR / Fraction armée rouge radicale à Stammheim et de l'apogée de l’« automne allemand ». Richter a effectué des recherches dans les archives des journaux Stern et Spiegel à Hambourg. Le cycle a été interprété de diverses manières et est aujourd'hui considéré, entre autres, comme l'aboutissement de la fascination de l'artiste pour la représentation historique afin de révéler des expériences collectives traumatisantes. Comme Richter l'a lui-même noté, le cycle 18. Oktober 1977 a achevé sa fascination pour les images basées sur des photographies en noir et blanc des années 1960. Depuis 1993, le tableau Betty (663-5), peint par Gerhard Richter comme une vue arrière à la suite d'un cliché de sa fille éponyme issue de son premier mariage, est interprété comme un analogue positif du cycle FAR. « En considérant le tableau de cette manière, je n'essaie pas de faire autre chose que de réunir les choses les plus différentes et les plus contradictoires sous une forme aussi libre que possible, de manière vivante et viable. Pas de paradis ». - Gerhard Richter, 1986.
Gerhard Richter, Betty, 1988
Photo Credit: The official website of Gerhard Richter
Gerhard Richter est un athée qui a quitté l'Église protestante. En 2006, il a pu montrer son « penchant pour le catholicisme » dans un vitrail sur la façade du transept sud de la cathédrale de Cologne / Kölner Doms. Ce vitrail de 106 mètres carrés est composé de 11 263 carrés de verre antique authentique soufflés à la bouche, mesurant 9,6 cm sur 9,6 cm, dans 72 couleurs différentes. La composition abstraite du champ de couleurs s'inspire du tableau 4096 Farben, 1974. Les coûts de production de Derix Glasstudios se sont élevés à 370 000 euros, mais l'artiste a fait don de son œuvre à la cathédrale, sous forme de donations. Après l'inauguration du 25 août 2007, des voix positives et critiques se sont élevées.
Gerhard Richter, 4096 Farben, 1974
Photo Credit: The official website of Gerhard Richter
La raison de cet accueil mitigé est la genèse du vitrail de Richter. Le vitrage de 1863, offert par la maison royale de Prusse, a été détruit avec les dessins pendant la Seconde Guerre mondiale. Par la suite, le chapitre de la cathédrale de Cologne envisagea de commémorer les martyrs du XXe siècle (Edith Stein, Maximilien Kolbe) et l'Holocauste. L'architecte de la cathédrale s'est adressé personnellement à Gerhard Richter pour lui demander une autre conception. Cette option l'a davantage impressionné que les projets figuratifs d'Egbert Verbeek et de Manfred Hürlimann, qui suivaient pourtant les directives.
Pour son projet abstrait, Gerhard Richter a découpé une photographie du tableau 4096 Farben et l'a collée derrière les fenêtres à croisillons. En 2005, l'artiste a été chargé de poursuivre son travail sur ce concept et l'œuvre a finalement été achevée en 2006. Sur une palette de 800 couleurs, Richter a sélectionné 72 teintes, qui étaient également utilisées dans les fenêtres du XIXe siècle. Un générateur de nombres aléatoires est responsable de la séquence, bien que les trajectoires soient inversées (1-3, 2-5, 4-6). L'artiste n'a pris des mesures correctives que si les panneaux colorés créaient une forme au hasard. Comme les panneaux colorés étaient fixés au disque de support avec du silicone, Richter pouvait travailler sans baguettes de plomb.
Gerhard Richter, Kölner Domfenster, 2007
Photo Credit: The official website of Gerhard Richter
Dans les années 1980 et 1990, Gerhard Richter travaille principalement avec le dessin et l'aquarelle. Les œuvres abstraites sur papier lui ont permis de dépasser les fixations stylistiques et les idées figées, de rendre visibles les contradictions. Pour ce faire, il a utilisé diverses techniques qui dépassent les conventions de l'aquarelle classique. La juxtaposition d'intentions conscientes et d'événements incontrôlés a créé des feuilles d'une densité et d'une vivacité hypnotiques qui ne peuvent être obtenues de la même manière sur une toile avec de la peinture à l'huile. Au milieu des résultats étonnants et esthétiquement stupéfiants, l'artiste s'est souvent interrogé sur le sérieux de ces œuvres. C'est ainsi qu'en 1997, il a achevé son dernier cycle d'aquarelles et qu'en 1999, il a prétendument mis fin à ce genre avec une série de dessins au crayon.
Les années suivantes, Gerhard Richter se concentre entièrement sur la peinture et ce n'est que dans ses dernières années de création qu'il se tourne à nouveau, de manière inattendue, vers les travaux sur papier. Après avoir réalisé un grand tableau abstrait, il a décidé d'abandonner définitivement la peinture en 2017, mais à la fin de l'année, il a recommencé à peindre. Richter passe toujours la journée dans l'atelier à son rythme habituel, mais au lieu de travailler sur le mur, il travaille désormais à son bureau. Sa méthode de travail reste la même : la peinture n'est jamais continue, elle prend toujours un certain temps. Les semaines intenses sont suivies de longues pauses que l'artiste consacre à d'autres activités. Il en va de même pour ses œuvres sur papier. Comme il les date chaque fois avec précision, il est évident qu'elles ont été créées sur une période de quelques jours ou de quelques semaines, en fonction de l'humeur et de la concentration. Très vite, Richter ne se contente plus de dessiner au crayon, mais utilise des crayons à l'huile et des peintures pour donner un élan supplémentaire à son travail. Il a exposé ces feuilles à plusieurs reprises et, bien qu'il ait déclaré à chaque fois qu'il s'agissait de ses dernières œuvres, elles ont été suivies quelques mois plus tard par d'autres. La dernière œuvre de Gerhard Richter est un cycle de 31 œuvres abstraites de petit format sur papier réalisées entre le 5 et le 11 janvier 2022, ainsi que 31 de leurs photographies dans un tirage intitulé mood.
