Молния цветов Барнетта Ньюмана

ArtWizard, 02.12.2019

«Художник - хореограф пространства»

Художник и теоретик Барнетт Ньюман был одним из самых интеллектуальных художников нью-йоркской школы. Он считается одной из главных фигур в абстрактном экспрессионизме и одним из ведущих художников, использующих монохромные цвета. Его картины экзистенциальны по тону и содержанию, явно составлены с намерением передать ощущение локальности, присутствия и случайности. 

Ньюмана обычно классифицируют как абстрактного экспрессиониста из-за его работы в Нью-Йорке в 1950-х годах, общения с другими художниками группы и разработки абстрактного стиля, который почти или ничего не должен европейскому искусству. Тем не менее, его отказ от выразительной кисти, используемой другими абстрактными экспрессионистами, такими как Клайффорд Стилл и Марк Ротко, и его использование областей с резкими краями плоского цвета, можно рассматривать как очень близкие к минималистским работам художников, таких как Фрэнк Стела.

Ньюман полагал, что современный мир сделал традиционные предметы искусства и стили недействительными, особенно в годы после Второй мировой войны, омраченные конфликтом, страхом и трагедией. Ньюман писал: «Старые стандарты красоты были неуместны: возвышенное было всем, что было уместно - опыт огромности, который мог вывести современное человечество из оцепенения».

Художник родился и вырос в Нью-Йорке в семье польских еврейских иммигрантов. Ньюман заинтересовался живописью в средней школе. Параллельно с художественным образованием получил и философскую степень. После окончания института работал в разных областях, а в 1940 году полностью бросил живопись в течение четырех лет, посвятив себя изучению орнитологии. Позже Ньюман уничтожил все свои ранние работы. Зрелые картины с вертикальными и горизонтальными линиями сначала были восприняты зрителями и критиками негативно, а Ньюман получил признание только в последние годы своей жизни.

Его подход к искусству был сформирован его исследованиями в области философии в Городском колледже Нью-Йорка (The City College of New York ) и его политической активностью. В 1933 году он баллотировался на пост мэра своего города по расписанию с культурной платформой, и он поддерживал острое понимание политических вопросов, таких как нацизм и атомная бомба. Для него искусство было актом самосоздания и декларации политической, интеллектуальной и индивидуальной свободы. Мастер остроумия, он однажды сказал: «Эстетика - художникам, а орнитология - птицам». Художественная карьера Ньюмана была «позднего расцвета» и началась внезапно. Ему было около 30 лет, когда он начал рисовать, проведя предыдущее десятилетие, как преподавателя, писателя, студента и рабочего в магазине мужской одежды своего отца. Он посчитал большую часть своей ранней работы недостойной рассмотрения и уничтожил ее. Только в 1944 году он сосчел свою работу зрелой.

Картины Ньюмена стали решающим разрывом с жестовой абстракцией его сверстников. Вместо этого он разработал подход, который избегал рисовать обычные противопоставления фигуры и земли. Он создал символ, «молния», который мог бы протянуть руку и вызвать зрителя, стоящего перед ним - зрителя, зажженного искрой жизни.

В 1948 году, после завершения картины под названием «Onement I», Ньюман обрел свой голос. Именно в этой работе он натолкнулся на то, что станет характерным мотивом, который определил все его картины: вертикальная полоса, соединяющая верхнюю и нижнюю грани картины, которую он назвал «молнией». Его молнии пронизывают поля цвета в свободных композициях, которые побудили критиков описать его как художника «цветового поля» и минимализма. Ньюман, однако, придерживался собственного мнения о своих абстрактных работах. Утверждая, что он стремился «начать с нуля, рисовать так, как будто живопись никогда не существовала раньше», он видел в своих композициях формы мышления, выражения универсального опыта жизни и индивидуальности.

Barnett Newman, Onement I, 1948

Barnett Newman, The Wild, 1950

Хотя картины Ньюмена кажутся чисто абстрактными, и многие из них первоначально были без названия, имена, которые он позднее дал им, намекали на конкретные темы, которые обсуждались, часто с еврейской такой. Например, две картины начала 1950-х годов называются «Адам и Ева». Другими примерами являются «Уриэль», 1954, и «Авраам», 1949, очень темная картина, которая, наряду с именем библейского патриарха, была также именем отца Ньюмана, который умер в 1947 году.

В лучших картинах Ньюмана, таких как «Кафедра» 1950-1951 и «Vir heroicus sublimis» 1950-1951, изображение состоит из одного цветового поля, на котором отражены одна или две тонкие вертикальные полосы. Но краска наносится легкими перышковыми мазками, которые мягко смешиваются друг с другом и нигде не дают даже едва ощутимого ощущения тактильной пигментации. Его богатое изобразительное пространство создается с помощью различных плотностей определенного цвета, а не с помощью линий или отдельных форм. В этом смысле его картины являются чисто оптическими и избегают восприятия ценностей объектов или пространств в мире вне живописи.

Barnett Newman, Cathedra, 1957 (gallery view)

Barnett Newman,  Vir heroicus sublimis, 1950-51, (gallery view)

Пик его достижений считается серией черно-белых картин «Станции креста» 1958–1966 годов, начатой ​​вскоре после того, как Ньюман выздоровел от сердечного приступа. Серия озаглавлена ​​«Lema sabachthani» - «Почему ты оставил меня» - последние слова, сказанные Иисусом на кресте, согласно Новому Завету. Ньюман считал эти слова универсальными в свое время.

В последних работах Ньюмана, таких как серия «Кто боится красного, желтого и синего», используются яркие чистые цвета, часто на очень больших полотнах. Например, «Свет Анны» 1968 года, названный в память о его матери, которая умерла в 1965 году, является его самой большой работой, шириной 8,5 метров и высотой 2,7 метра.

Позже Ньюман экспериментировал с некоторыми фасонными полотнами, которые привели к его работе под названием «Шартр» 1969 года, которая была треугольной. Эти более поздние картины выполнены акриловыми красками, а не масляной краской, как его ранние работы. Хотя он сосредоточился в основном на живописи, Ньюман также делал скульптуру. В этот период Ньюман также вернулся к скульптуре, выполнив небольшое количество гладких деталей из стали. «Сломанный обелиск» 1963 года - самая монументальная и самая известная работа Ньюмена, изображающая перевернутый обелиск, балансирующую точку которого на вершине пирамиды. Помимо скульптур, Ньюман также сделал очень интересную серию литографий «18 песней», 1963–64, которые, согласно Ньюману, должны были напоминать о музыке.

Barnett Newman, Canto V (from 18 Cantos), 1963-64

Barnett Newman, Canto VII (from 18 Cantos), 1963-64

Barnett Newman, Canto XIV (from 18 Cantos), 1963-64

Помимо его очень авангардного способа работы, это было приблизительно в 1960-ых, в последнее десятилетие его жизни, когда художник достиг общественного признания за его работу. Его анархическая независимость и бескомпромиссная позиция, возможно, способствовали его медленному принятию, но эти глубоко укоренившиеся силы внутри него также сформировали его искусство. Размышляя о своей работе в конце своей жизни, он заявил: «Одним из его последствий является утверждение о свободе… если (как будет прочитано) правильно, это будет означать конец всего государственного капитализма и тоталитаризма.