Fleurs érotiques avec Georgia O'Keeffe

ArtWizard 02.03.2020

«Les couleurs, les lignes et les formes me semblent une affirmation plus précise que les mots.»

Georgia O'Keeffe (1887-1986) était une figure majeure de l'art américain qui, remarquablement, a maintenu son indépendance vis-à-vis des tendances artistiques changeantes, restant dans le mouvement du modernisme américain. Elle a peint de manière prolifique et presque exclusive les fleurs, les os d'animaux et les paysages autour de ses ateliers de Lake George, New York et New Mexico, et ces sujets sont devenus ses images de signature. Elle est restée fidèle à sa propre vision artistique unique et a créé un style de peinture très individuel, qui synthétisait le langage formel de l'abstraction européenne moderne et les sujets du pictorialisme américain traditionnel.

Georgia O'Keeffe, The White Flower, 1932

O'Keeffe a étudié et s'est classée au sommet de sa classe à la School of the Art Institute de Chicago. En raison de la fièvre typhoïde, elle a dû prendre un an de congé pour ses études. En 1907, elle rejoint la Art Students League à New York, où elle étudie dans les classes de William Meritt Chase et Kenyon Cox.

En 1908, O’Keeffe a remporté le prix de la nature morte William Merritt Chase de la Ligue pour sa peinture à l'huile Dead Rabbit with Copper Pot. Son prix était une bourse pour assister à l'école d'été en plein air de la Ligue à New York. Pendant son séjour en ville, O'Keeffe a visité des galeries appartenant à son futur mari, le photographe Alfred Stieglitz. La galerie 291 a promu le travail d'artistes d'avant-garde des États-Unis et d'Europe ainsi que d'éminents photographes.

Georgia O'Keeffe, Dead Rabbit with Copper Pot, 1908

En 1908, O'Keeffe a découvert qu'elle ne serait pas en mesure de financer ses études. Son père avait fait faillite et sa mère était gravement atteinte de tuberculose. L'artiste n'était pas intéressée à créer une carrière de peintre basée sur la tradition mimétique qui avait formé la base de sa formation artistique, alors elle a pris un emploi à Chicago en tant qu'artiste commerciale et y a travaillé jusqu'en 1910, lorsqu'elle est retournée en Virginie pour récupérer de la rougeole et a ensuite déménagé avec sa famille à Charlottesville. Elle n'a pas peint pendant quatre ans et a dit que l'odeur de térébenthine la rendait malade. Elle a commencé à enseigner l'art en 1911. L'un de ses postes était son ancienne école, Chatham Episcopal Institute en Virginie.

Elle a suivi un cours d'art d'été en 1912 à l'Université de Virginie auprès d'Alon Bement, qui était membre du corps professoral du Columbia University Teachers College. Sous Bement, elle a appris des idées innovantes d'Arthur Welsley Dow, un collègue de son instructeur. L'approche de Dow a été influencée par les principes de l'art japonais concernant la conception et la composition. Elle a commencé à expérimenter des compositions abstraites et à développer un style personnel qui s'éloignait du réalisme. De 1912 à 1914, elle a enseigné l'art dans les écoles publiques d'Amarillo dans le Texas Panhandle et a été assistante pédagogique de Bement pendant les étés. Elle a suivi des cours à l'Université de Virginie pendant deux étés supplémentaires. Elle a également suivi un cours au printemps 1914 au Teachers College de Columbia University avec Dow, ce qui a influencé sa réflexion sur le processus de création artistique. Ses études à l'Université de Virginie, basées sur les principes de Dow, ont été essentielles au développement d'O'Keeffe en tant qu'artiste. Par son exploration et sa croissance en tant qu'artiste, elle a contribué à établir le mouvement appelé modernisme américain.

La vision de Georgia O’Keeffe, qui évolue au cours des vingt premières années de sa carrière, a continué à éclairer son travail ultérieur et était basée sur la recherche des formes abstraites essentielles dans les sujets qu’elle peignait. Avec des pouvoirs d'observation exceptionnellement vifs et une grande finesse avec un pinceau, elle a enregistré de subtiles nuances de couleur, de forme et de lumière. Des sujets tels que les paysages, les fleurs et les os ont été explorés en série, ou plus précisément, en série de séries. Généralement, elle teste les possibilités picturales de chaque sujet dans une séquence de trois ou quatre images produites successivement au cours d'une même année. Mais parfois, une série s'étalait sur plusieurs années, voire des décennies, et aboutissait à une dizaine de variations.

Georgia O'Keeffe, Light Iris, 1924

Au milieu des années 1920, après une première période d'expérimentation avec divers médias, techniques et images, O'Keeffe avait déjà développé le style personnel de peinture qui caractériserait son travail mature. Au cours des années 1930, elle a ajouté un répertoire établi de couleurs, de formes et de thèmes qui reflétait l'influence de ses visites au Nouveau-Mexique. Pour la plupart, son travail des années 1950, 60 et 70 s'appuyait sur ces images déjà présentes dans son art au milieu des années 40.

Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924

Georgia O'Keeffe, Black Iris, 1926

Les peintures de fleurs d'O'Keeffe ont souvent été qualifiées d'érotiques, ce qui n'est pas exactement faux, mais l'accent est déplacé. Il serait surprenant qu'un artiste passionné par le transcendant n'utilise pas d'images chargées érotiquement. Réduire ses fleurs aux symboles de la sexualité féminine est cependant une erreur banalisante, car les détails sexuels importent moins dans l'art avec l'aspiration que la sensation vive et plus universelle d'une libération joyeuse dans un autre monde au-delà des distinctions habituelles.

Georgia O'Keeffe, Music - Pink and Blue No.2, 1918

Georgia O'Keeffe, Abstraction - White Rose, 1927

L'intérêt d'O'Keeffe pour l'échelle de la transcendance lui a permis de violer certaines limites. Non seulement elle a fait le grand petit et le petit grand, mais elle a pris de sérieux risques avec la couleur, bouleversant parfois les conventions d'harmonie visuelle afin de surprendre l'œil dans de nouveaux types de vision. Elle aimait souligner les bords visuels qui ont des implications métaphysiques: entre nuit et jour, terre et ciel, vie et mort. Elle n'avait pas peur de la grande réverbération symbolique; ses os semblent souvent étrangement vivants, les fleurs du désert.

À travers ses remaniements répétés de thèmes familiers, elle a produit un énorme corpus d'œuvres intensément concentré et inhabituellement cohérent. Les sujets qu'O'Keeffe a peints ont été retirés de la vie et se rapportaient généralement ou spécifiquement aux endroits où elle s'était rendue. À travers son art, elle a exploré les moindres détails de l'apparence physique d'un décor ou d'un objet et a ainsi pu le connaître encore mieux. Souvent, ses images donnent une impression très subjective d'une image, bien qu'elle soit représentée de manière simple et réaliste. De telles interprétations subjectives ont souvent été colorées par des événements importants de la vie personnelle et professionnelle de l'artiste. Leur impact sur son travail était souvent inconscient, comme l'artiste l'a reconnu tard dans la vie.

Georgia O'Keeffe a continué à peindre dans les années 1970, sa perte presque complète de vue et sa mauvaise santé au cours des quinze dernières années de sa vie ont considérablement réduit sa productivité artistique. Ses problèmes oculaires ont commencé en 1968 et, en 1971, la dégénérescence maculaire lui a fait perdre toute sa vision centrale, la laissant finalement avec seulement une vision périphérique.

La vie personnelle de Georgia O’Keeffe était aussi intéressante et troublée que ses recherches artistiques.
En juin 1918, O'Keeffe accepte l'invitation de Stieglitz de déménager à New York et accepte son soutien financier. Stieglitz, qui était mariée à une femme nommée Emmeline Obermeyer, a emménagé avec elle.
En février 1921, les photographies de Stieglitz sur O'Keeffe sont incluses dans une exposition rétrospective aux Anderson Galleries. Stieglitz a commencé à photographier O'Keeffe lorsqu'elle lui a rendu visite à New York pour voir son exposition de 1917 et a continué à prendre des photos, dont beaucoup étaient nues. Cela a créé une sensation publique. Lorsqu'il se retira de la photographie en 1937, il avait réalisé plus de 350 portraits et plus de 200 photos nues d'elle. En 1978, O'Keeffe a écrit à quel point elle était devenue éloignée d'eux: «Quand je regarde les photos que Stieglitz a prises de moi - certaines d'entre elles il y a plus de soixante ans - je me demande qui est cette personne. C'est comme si dans mon une vie, j'ai vécu plusieurs vies.»

En 1924, Stieglitz a divorcé de sa femme Emmeline et il a épousé O'Keeffe. Pour le reste de leur vie ensemble, leur relation était, "une collusion ... un système d'accords et de compromis, tacitement accepté et exécuté, pour la plupart, sans échange d'un mot. Préférer l'évitement à la confrontation sur la plupart des questions, O'Keeffe était le principal agent de collusion dans leur union", selon la biographe Benita Eisler. Ils vivaient principalement à New York, mais passaient leurs étés dans sa maison familiale, Oaklawn, à Lake George, dans le nord de l'État de New York.

Le 6 mars 1986, O'Keeffe est décédée à l'hôpital Saint-Vincent de Santa Fe, ayant presque atteint son objectif de vivre jusqu'à 100 ans. Elle avait 98 ans.

À propos de ce moment, elle avait une fois dit: "Quand je pense à la mort, je regrette seulement de ne plus pouvoir voir ce beau pays ... à moins que les Indiens aient raison et que mon esprit ne marche ici après mon départ.» À sa demande, il n'y a eu aucun service funéraire ou commémoratif, bien que ses cendres aient été éparpillées du haut du Pedernal sur le paysage qu'elle aimait depuis plus d'un demi-siècle.