Les lois fondamentales de la peinture de HANS HOFMANN

ArtWizard 17.02.2020

"La couleur est un moyen plastique de créer des intervalles ... des harmoniques de couleurs produites par des relations spéciales, ou des tensions. Nous différencions maintenant entre les tensions formelles et les tensions de couleur, tout comme nous différencions en musique entre contrepoint et harmonie."

Hans Hofmann (1880–1966) est l'une des figures les plus importantes de l'art américain au XXe siècle. Célébré pour ses toiles exubérantes et remplies de couleurs et reconnu comme un enseignant influent pour des générations d'artistes, Hofmann est devenu célèbre d'abord dans son Allemagne natale, puis à New York et à Provincetown. Hofmann était le seul peintre de la New York School, qui était directement impliqué dans le modernisme européen du début du XXe siècle et a joué un rôle central dans le développement de l'expressionnisme abstrait. Clément Greenberg, qui a été fortement influencé par les idées de Hofmann, a affirmé qu'il était "probablement le professeur d'art le plus important de notre temps".

Entre 1900 et 1930, les premières études de Hofmann, des décennies de peinture et les écoles d’art qu’il a créées l’ont emmené à Munich, à Paris, puis à Munich. En 1933, et pendant les quatre décennies suivantes, il a vécu à New York et à Provincetown. L'évolution de Hofmann de professeur d'art moderne avant tout à un artiste moderne pivot l'a mis en contact avec de nombreux artistes, critiques et marchands de premier plan du XXe siècle: Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, Wassily Kandinsky, Sonia et Robert Delaunay, Betty Parsons, Peggy Guggenheim, Lee Krasner, Jackson Pollock et bien d'autres. Sa carrière réussie a été soutenue par le marchand d'art moderne d'après-guerre Sam Kootz, ainsi que par l'historien et critique d'art Clement Greenberg.

Hofmann avait 64 ans et beaucoup de temps s'est écoulé de sa première à sa deuxième exposition personnelle à "Art of This Century", la galerie de Peggy Guggenheim et a eu lieu à New York en 1944. À cette époque, Hofmann a équilibré les exigences de l'enseignement et de la peinture jusqu'à sa fermeture. son école en 1956. Cela lui a permis de se recentrer sur sa propre peinture selon le style de l'expressionnisme abstrait, et pendant les vingt années suivantes, la production volumineuse de Hofmann, puissamment influencée par l'utilisation de la couleur par Matisse et le déplacement de la forme du cubisme, s'est développée en un approche et théorie artistiques qu'il a appelées «pousser et tirer», qu'il a décrites comme des relations interdépendantes entre la forme, la couleur et l'espace.

Hans Hofmann, Still Life Interior, 1941

De ses premiers paysages des années 1930 à ses peintures de la fin des années 1950 et ses œuvres abstraites à la fin de sa carrière à sa mort en 1966, Hofmann a continué à créer des combinaisons de couleurs audacieusement expérimentales et des contrastes formels qui transcendaient le genre et le style.

Hans Hofmann, Magenta and Blue, 1950

Hans Hofmann, Laburnum, 1954

Né Johan Georg Albert à Weissenberg, Bavière en 1880, Hofmann était un enfant précoce, montrant des penchants précoces pour les mathématiques, la musique, la science, la littérature et l'art. Quand il avait six ans, sa famille a déménagé à Munich où son père avait obtenu un emploi dans la bureaucratie gouvernementale.

La famille de Hofmann espérait qu'il développerait ses talents en science, mais au moment où il avait dix-huit ans, il avait décidé de poursuivre l'art et s'est inscrit à l'école d'art de Moritz Heymann à Munich, où il était fasciné par les impressionnistes. Peu de temps après, il rencontre un mécène qui lui permet de subvenir à ses besoins en tant qu'artiste à Paris. À cette époque, l'artiste a rencontré Maria ("Miz") Wolfegg (son portrait d'elle en 1902 représente un exemple précoce de l'influence de l'impressionnisme sur son travail). Le couple ne se mariera qu'en 1924, mais elle l'accompagna à Paris en 1904 et ils y resteront jusqu'en 1914. Hofmann était en visite en Allemagne lorsque la guerre a éclaté cette année-là, et il n'a pas pu retourner à Paris pour récupérer ses photos. , qui ont tous été perdus.

De retour à Munich, Hofmann a créé sa propre école d'art. Sa renommée s'est rapidement répandue à l'échelle internationale et sa première visite aux États-Unis, en 1930, a été provoquée par une invitation d'un ancien étudiant, Worth Ryder, à enseigner une session d'été à l'UC Berkeley. Il a visité à nouveau, puis lors de sa troisième visite, alors que les tensions politiques montaient en Europe, Hofmann a décidé de rester et a commencé à enseigner à New York à l'Art Students League. Il a ouvert la «Hans Hofmann School of Fine Arts» en 1933, et deux ans plus tard, a ouvert une école d'été à Provincetown, MA.

Hans Hofmann, Untitled (Interior Composition), 1935

Hofmann continuera à travailler comme enseignant jusqu'en 1958, mais sa situation au milieu des années 1930 lui permet de trouver plus de temps pour sa propre peinture. Il n'avait pas eu d'exposition personnelle depuis sa première à Berlin en 1910. Plusieurs années plus tard, en 1944, il en avait une seconde à la «Art of This Century Gallery» de Peggy Guggenheim à New York.

La plupart des œuvres exposées par Hofmann dans ce spectacle étaient assez conservatrices par rapport au style de certains autres artistes du cercle de Guggenheim. Le tableau «Autoportrait au pinceau» (1942) est typique de son style de l'époque. Inspiré par l'environnement de sa maison à Provincetown, il était également éclectique sur le plan stylistique.

Hans Hofmann, Self-Portrait with Brushes, 1942

Des artistes aux influences surréalistes autour de la galerie de Guggenheim ont également encouragé le style de Hofmann à aller dans cette direction et son travail est devenu progressivement plus abstrait et imprégné d'images mythiques et primitives, résultant en des images telles que «Le vent» (v.1944). Certains critiques ont même émis l'hypothèse que les expériences de Hofmann avec la peinture au goutte à goutte étaient l'inspiration pour la célèbre utilisation de la méthode par Pollock. Au début des années 1950, les images de Hofmann sont devenues plus riches en toucher et en utilisant un empâtement épais avec des surfaces constituées de couches et de formes rectangulaires flottant sur des zones de couleur saturée.

Hans Hofmann, The Wind, c.1944

Le travail de Hofmann en tant qu'enseignant, son émigration d'Europe et son style singulier ont tous contribué à sa reconnaissance tardive en tant que peintre majeur. Néanmoins, il a reçu de nombreux prix et distinctions au cours de sa vie ultérieure. Une rétrospective de son travail a été organisée par Clement au Bennington College en 1955. Avec Philip Guston et Franz Kline, Hofmann a représenté les États-Unis à la Biennale de Venise en 1960. Et en 1963, le Museum of Modern a accueilli une rétrospective de son travail qui fait le tour du monde. Son succès à l'époque a été assombri par la mort de sa femme Miz en 1963, mais deux ans plus tard, Hofmann s'est marié à nouveau, et il a ensuite consacré une série de peintures à sa jeune femme allemande, Renate Schmitz, qui est maintenant suspendue dans le Musée d'art métropolitain. Hofmann est décédé à New York en 1966 à 86 ans.

Hans Hofmann, Miz-Pax Vobiscum, 1964

Hofmann n'était pas seulement un artiste éminent, mais un homme avec de grandes idées, la plupart d'entre elles construites à partir de sa lecture approfondie de la philosophie allemande, et cela a établi son habitude de penser les dualités - dans la thèse, l'antithèse et la synthèse. Il était un partisan particulier des idées rendues populaires par Adolph von Hildebrand dans son livre «Le problème des formes dans les arts visuels». Sur la base de ces théories, Hofmann a évité toute suggestion selon laquelle un artiste ou critique moderniste doit distinguer entre abstraction et représentation, ou entre styles gestuels, expressionnistes et formes géométriques.

L'une de ses notions les plus intéressantes était qu'il considérait la forme d'une œuvre d'art en gardant toujours à l'esprit l'espace sur lequel - et dans lequel - elle résidait. "La forme doit être équilibrée au moyen de l'espace", écrivait Hofmann en 1932, "... la forme existe à cause de l'espace et l'espace existe à cause de la forme." Dans toute œuvre d'art, il recherchait une unité et une forme visuelles qui stimulaient l'intérêt du spectateur, qu'il soit agréable ou non. 

Hofmann est devenu célèbre avec sa théorie du "Push and Pull". Il croyait que les artistes modernes devraient évoquer l'espace pictural non pas de manière traditionnelle en modelant la forme avec l'utilisation de la perspective atmosphérique, mais en utilisant des contrastes de couleur, de forme et de surface. Ce n'est que de cette manière qu'un artiste peut rester fidèle à la manière bidimensionnelle dont la toile montre une œuvre au spectateur. Ces tensions entre la forme et la couleur étaient cruciales pour le succès d'une peinture, pensait Hofmann, et les appelait le «push and pull» dans une image.

Bien que l'idée de Hofmann soit fondée sur l'esthétique, la notion de «push-and-pull» peut avoir été influencée par le peintre moderniste américain John Martin. En 1913, il écrivait: "[New York est] fait de pouvoirs [qui] sont à l'œuvre pour pousser, tirer, de côté, vers le bas, vers le haut ... Je vois de grandes forces à l'œuvre ... les grands bâtiments et les petits bâtiments; le la guerre des grands et des petits ... suscite des sentiments qui me donnent le désir d'exprimer la réaction de ces "forces d'attraction". "

Une autre des grandes idées de Hofmann était ses théories sur les lois fondamentales d'une peinture. En 1932, il écrit… «La peinture dans son ensemble possède des fondements. La plus haute loi de la peinture est: l'entité du plan de l'image doit être préservée. Cette entité est sa bidimensionnalité essentielle… cette loi connote à la fois: la le plan de l'image doit obtenir un effet tridimensionnel (par opposition à l'illusion) au moyen du processus créatif. " Hofmann se souciait peu de toute forme de tromperie visuelle ou d'illusion d'optique dans la peinture - il croyait que de tels appareils défiaient la pureté de l'acte créatif sur toile. Il pensait qu’une toile étant par nature une surface plane, elle devait être traitée comme telle. Appliquer quoi que ce soit d'autre que de la peinture, c'était, en un sens, tromper la forme d'art.

Hans Hofmann, Song of the Nightingale, 1964

Hofmann a formé plusieurs autres règles sur la peinture, qui étaient toutes fondées sur la croyance marxiste selon laquelle un artiste est façonné et conditionné par les circonstances historiques qui l'entourent, et ne peut accomplir autant que ces circonstances le permettront. Cependant, par-dessus tout, Hofmann pensait que la signification d'une œuvre devait être importante pour le créateur. Il pensait également que le contenu historique et / ou politique était un affront à la pureté de l'art lui-même. Et, concernant la nécessité de parler de son moment historique, Hofmann a une fois ajouté sa propre mise en garde, tard dans la vie, tout en s'adressant à certains artistes: "Vous appartenez à un certain temps. Vous êtes vous-même le résultat du temps. Vous êtes le créateur de cette temps."